CINECLUBE01

Os 10 piores clichês do cinema

2011-03-10T14:24:00.000-08:00

Às vezes não reparamos, mas muitos recursos utilizados no cinema são utilizados até a exaustão e são muito mais comuns do que imaginamos. No vídeo abaixo, você confere alguns desses recursos:

CINECLUBE01 comenta: O Discurso do Rei

2011-03-03T17:00:00.000-08:00

“O Discurso do Rei” é um filme ambientado durante a década de 30 na Inglaterra e traz como protagonista o rei George VI, que sucede seu irmão e seu pai no trono inglês, mas tem que liderar com um terrível problema de gagueira que se torna um obstáculo ao emitiir grandes pronunciamentos oficiais. Como tentativa de superar sua dificuldade, sua mulher o apresenta o fonoaudiólogo australiano Lionel Logue, talvez sua última tentativa de solucionar um problema que parece não ter solução.

Bem preparado e instruído, o novo rei enxerga na gagueira a grande limitação para seu cargo, o que o contrapõe a Hitler, ditador que será seu grande adversário durante a guerra, período que as pessoas têm nas palavras de seu líder o grande apoio para um momento difícil.

Com a exigência de um bom discurso, ele passa a acreditar nos métodos de Logue, um fonoaudiólogo que nem médico não é para ajudá-lo com seu problema. A relação construída com Logue também se torna tocante com o tempo. Deixando de lado grandes médicos e especialistas da fala, Geroge VI constrói uma relação de intimidade (no qual é chamado de Bertie, apelido de família) com um homem comum e aos poucos começa a deixar sua arrogância, coisas que Bertie não imaginava que poderia fazer. É possível perceber que sua gagueira representa todas as dificuldades e conflitos pelos quais já passou e continua passando. E são justamente esses momentos do “médico” com seu paciente que passam a engrandecer o filme.

O filme trata de humanizar um poderoso rei ao colocá-lo sobre uma condição de homem comum, com dificuldades como qualquer outro e que é capaz de superar com grande esforço todos os obstáculos para conseguir o que quer. Nada mais ideal para a Academia que o premiou com o Oscar de melhor filme. Além disso, sua força também está nas excelentes atuações de Colin Firth (Bertie) e Geoffrey Rush (Logue). Firth, interpreta um rei com grande simpatia e habilidade ao colocá-lo sobre uma vulnerabilidade impensável para um líder de uma grande potência européia. Isso é explicitado apenas com suas limitações de fala de maneira brilhante. Assim, ele não se incomoda em ter sua mulher e em Logue seus grandes aliados nessa recuperação. Já Rush emprega em Logue um personagem que apresenta segurança e não parece se intimidar com a presença do rei. Ao mesmo tempo é capaz de enxergar suas limitações e admirá-lo por poder enfrentá-las com tanta vontade.

Outro ponto positivo a se destacar é quanto a direção de arte, que ambienta os cenários e figurinos de maneira compatível com a época. Apesar de ser uma história de drama, por outro lado, também há muito espaço para momentos cômicos, que serve como uma estratégia de aproximar e cativar o público da história. Funciona bem, mas algumas situações soam um pouco forçadas pelo roteirista David Seidler para se encaixar na história.

Durante a história certos conflitos estão inseridos apenas para dar uma carga dramática maior. Esses conflitos são justamente aqueles em que Logue e Bertie ameaçam cortar relações, como na cena do ensaio na igreja para a cerimônia de posse. Bertie questiona as credenciais e a experiência de Logue, mas logo depois, sem grandes explicações, volta atrás e volta a confiar inteiramente no australiano. Ou seja, o roteiro poderia apostar muito mais no passado de Bertie e todas as dificuldades que ocasionaram sua gagueira e não apenas ao reforçar sua desconfiança com um médico que não possui qualificação, já que essa já era uma condição superada na história.

Outro ponto falho na história diz respeito a direção de Tom Hopper. Seu movimento de câmera que acompanha o rei de frente sempre que irá encarar um novo discurso pela frente seria interessante se não fosse usado exaustivamente ao longo de todo o filme. Um bom elemento de surpresa acabou se tornando banalizado. O mesmo ocorre com sua insistência em colocar seus personagens sempre no canto do quadro e de utilizar planos fechados para dar a impressão de impotência e insegurança para George. Porém, os mesmos recursos são usados para vários personagens, inclusive o próprio Logue.

“O Discurso do Rei” é um filme pouco empolgante e que não merecia ter sido premiado como melhor filme no Oscar, tendo em vista seus outros concorrentes. Mas é o filme que Hollywood adora e que é capaz de agradar uma grande parcela do público que vai ao cinema. Os momentos cômicos, a superação de Geroge VI e, principalmente, a bela atuação de Colin Firth (sua premiação como melhor ator foi mais que merecida no Oscar) são os grandes fatores responsáveis pelo sucesso do longa. Sucesso que é capaz de esconder diversos problemas ao longo do filme e de premiar apenas mais um dos queridinhos de Hollywood.

Confira o trailer:

A Injustiça do Oscar

2011-02-28T15:02:00.000-08:00

Todos sabem dos vencedores do Oscar ontem. E todos sabem que o Oscar tem um grande histórico de injustiças cometidas a alguns dos maiores gênios que marcaram a sétima arte. Alfred Hitchcook, Stanley Kubrick, Quentin Tarantino, Martin Scorsese e Francis Ford Coppola já realizaram obras-primas e perderam Oscars para produções extremamente inferiores. Confira algumas delas nesse levantamento da Veja: http://veja.abril.com.br/blog/10-mais/cinema/as-10-maiores-injusticas-em-toda-historia-do-oscar/#ancoratopo. É claro que nesse ano não podemos comparar os nomes que disputavam a estatueta a nenhum desses que eu citei acima. Mas o que aconteceu ontem foi novamente mais uma injustiça cometida por Hollywood a filmes extremamente competentes que saíram de mãos abanando.

A direção mediana de Tom Hooper para um filme com roteiro mediano como “O Discurso do Rei” foi o maior premiado na noite de ontem com os Oscars de melhor filme, melhor ator (esse foi o único prêmio merecido), melhor roteiro original e melhor diretor. A decisão de Hollywood prova aquilo que todos já suspeitavam. Para ser premiado no Oscar deve-se fazer uma história agradável a todos, de preferência com algumas risadas e uma bela história de superação, principalmente se o povo americano puder se identificar nele como um belo exemplo de vida. Deve ser uma história com alguns conflitos, mas tudo deve acabar bem no fim. Esse é o roteiro de um Oscar de Hollywood. Não que “O Discurso do Rei” seja ruim. Tem suas qualidades, mas é irregular em alguns aspectos (confira a crítica sobre o filme na quarta). “Cisne Negro” (o meu preferido), “A Origem” e até “A Rede Social” são filmes muito mais competentes do que o vencedor. O que acontece é que esses filmes não passam a mesma história agradável. “Cisne Negro” perturba e incomoda muita gente. “A Origem” é uma bela viagem pelo mundo dos sonhos que pode ser relacionada até mesmo com a própria manipulação do cinema. A “Rede Social” trata de uma boa reflexão a respeito de como os jovens se relacionam nos dias atuais. Como roteiro são todos muito mais completos, mas são críticos e nem sempre tão otimistas, o que incomoda a Academia.

Outro ponto a ser criticado é o prêmio de melhor diretor para Tom Hooper, para mim a maior aberração de todas. O diretor é previsível e utiliza os mesmos planos até a exaustão, sem mostrar a menor criatividade. Além do mais, diretores competentíssimos como David Fincher (Clube da Luta e Se7en), Christopher Nolan (Amnésia e Batman – O Cavaleiro das Trevas) e Darren Aronofsky (Requiem para um sonho e O Lutador) são alguns dos diretores mais competentes da atual geração, mas nunca tiveram seus trabalhos reconhecidos por produzirem filmes profundos, incômodos e que trazem a reflexão que é aquela que traz graça ao cinema. Os três filmes seguem a mesma linha e ficaram para trás para um cineasta que mostra não ter experiência e habilidade para produzir um filme merecedor de um Oscar. O que ainda compensa é que não é uma premiação que faz com que os grandes nomes do cinema sejam realmente conhecidos e admirados por todos. Nada melhor do que o reconhecimento do público e da crítica para fazer justiça aos que merecem.

Expectativas para a cerimônia do Oscar

2011-02-26T07:39:00.000-08:00

Retirado do site: http://cinema.uol.com.br/ultnot/efe/2011/02/26/octogenario-oscar-aposta-em-nova-safra-para-se-revitalizar.jhtm

Octogenário Oscar aposta em nova safra para se revitalizar

Antonio Martín Guirado.
Los Angeles (EUA), 26 fev (EFE).- O Oscar completa 83 anos e, longe de dar sinais de fraqueza, aposta na presença dos rostos jovens para manter os altos índices de audiência, fator imprescindível na recente renovação do contrato de transmissão nos Estados Unidos até 2020.

O canal "ABC" renovou por seis anos o atual acordo com a Academia de Hollywood, que terminava em 2014, após o ótimo resultado obtido na transmissão do ano passado, com 41,3 milhões de espectadores nos EUA, o melhor número dos últimos cinco anos.

"Este contrato garante que a cerimônia do Oscar será mantida como uma tradição no canal "ABC" durante 45 anos consecutivos", disse em comunicado Tom Sherak, presidente da entidade.

A Academia atribui o êxito da edição anterior à proliferação de artistas da nova safra no palco do Kodak Theatre, e este domingo não será uma exceção.

Se no ano passado desfilaram estrelas juvenis da Disney (Miley Cyrus, Zac Efron) e da saga "Crespúsculo" (Taylor Lautner, Kristen Stewart), agora a entidade dá um passo adiante e aposta, pela primeira vez na história, em um casal unissex e de grandes atributos físicos como mestres de cerimônias: James Franco e Anne Hathaway.

No caso do ator se tratará de uma noite muito especial, já que ele pode se transformar no primeiro apresentador do Oscar que ganha a estatueta dourada no mesmo ano, visto que concorre por sua atuação em "127 Horas".

Ambos cantarão e dançarão, e em seu repertório deve estar uma nova versão do famoso número musical interpretado por John Travolta e Olivia Newton-John em "Grease" (1978), como Franco sugeriu em seu perfil do Twitter com um pequeno videoclipe.
Essa é a linha almejada pelos produtores do evento, Don Mischer e Bruce Cohen, já que revelaram que a cerimônia prestará homenagem à história do Oscar com pequenos tributos a filmes clássicos e momentos inesquecíveis de cerimônias passadas.

Grande parte dos artistas que entregarão as estatuetas douradas já foi anunciada, e entre eles se destaca a presença de Scarlett Johansson, Mila Kunis, Amy Adams, Reese Witherspoon, Russell Brand, Matthew McConaughey, Tom Hanks, Nicole Kidman, Jude Law, Annette Bening, Cate Blanchett, Hugh Jackman, Robert Downey Jr. e Javier Bardem.

A Academia, no entanto, guarda alguns segredos, embora muitos prevejam a presença de Robert Pattinson, o vampiro adolescente de "Crepúsculo".

A imprensa especializada ressalta ainda que um dos pontos altos da cerimônia será a apresentação do coral P.S.22 (Public School 22), de Staten Island (Nova York), composto por estudantes de 10 e 11 anos.
Segundo o jornal "Los Angeles Times", as crianças cantarão "Somewhere Over the Rainbow", a música principal de "O Mágico de Oz", ganhador do Oscar de 1939.
"O Discurso do Rei" é o favorito para ser o grande vencedor da 83ª edição do prêmio, após receber 12 indicações, incluindo a de Melhor Filme.
Nessa categoria também competirão "A Rede Social", "Cisne Negro", "O Vencedor", "Toy Story 3", "Bravura Indômita", "127 Horas", "A Origem", "Minhas Mães e Meu Pai" e "Inverno da Alma".
A 83ª edição do Oscar será realizada neste domingo no Kodak Theatre, em Hollywood, e será transmitida ao vivo para mais de 200 países.

Publicidade no cinema

2011-02-23T17:48:00.000-08:00

A publicidade sempre esteve envolvida direta e indiretamente com os filmes. No vídeo abaixo são exibidas algumas curiosidades sobre este mundo que pode se tornar extremamente lucrativo dentro da sétima arte. O anúncio de produtos pode sim aparecer escandalosamente e diminuir a credibilidade de um filme. Mas por outro lado, filmes muito importantes e competentes também se renderam aos frutos dessa exposição de maneira discreta. Confira alguns desses momentos:

As 50 animações da Disney

2011-02-18T18:40:00.000-08:00

Os filmes da Disney com certeza fizeram história e marcaram gerações de adultos e crianças de todo o mundo. A capacidade de encantar e força dessa empresa se tornou algo assustador. Nesse ano, o estúdio chegou a sua animação de número 50 com o filme Enrolados. A história do estúdio começou lá em 1937 com Branca de Neve e Sete anões, que revolucionou o mundo da animação e do cinema. Desde então cada vez mais novas inovações vem sendo realizadas em filmes ainda mais surpreendentes e emocionantes. No site abaixo você encontrará todas os 50 filmes realizados pela Disney. Para mais detalhes sobre cada um deles é só clicar na figura correspondente.

http://cinemaemcena.com.br/Noticia_Detalhe.aspx?id_noticia=35644&id_tipo_noticia=3

E o Vento Levou (1939)

2011-02-12T07:01:00.000-08:00

“E o vento levou” é inegavelmente um dos melhores filmes da história do cinema. Para mim o terceiro melhor, perdendo apenas para “O Poderoso Chefão” e “Cidadão Kane”. Seja tecnicamente, visualmente ou no roteiro é um filme impecável do começo ao fim. O filme foi realizado com U$ 5 milhões de dólares e foi projetado para ser a maior de todas as produções hollywoodianas já produzidas e foi o filme que mais faturou nas bilheterias em toda a história do cinema (com os valores já ajustados). Também foi dirigido por quatro diretores diferentes além de Victor Fleming, o único que recebeu o crédito por seu trabalho. Mas o grande nome ficou por conta de David O. Selznick, produtor que fez com que o longa fosse realizado. Também foi o mais famoso filme a ser desenvolvido com a tecnologia Technicolor, que trazia cores e um visual belíssimo que contribuiu ainda mais para a força do filme.

Baseado no romance homônimo de Margaret Mitchell, a trama conta a história de Scarlett O’Hara, filha de um imigrante irlandês que enriqueceu no sul dos Estados Unidos. Seu verdadeiro amor Ashley Wilkes, se casará com Melanie Hamilton. Para fazer ciúmes ao seu amado, ela se casa com Charles Hamilton. Porém, a Guerra Civil Americana começa, Charles acaba morrendo e Ashley sobrevive. A guerra acaba devastando todo o território conquistado por sua família, o que a faz passar por sérias dificuldades financeiras. Mas ela promete que fará tudo o que for possível para reverter essa situação. Ao longo do filme, ela conta com a ajuda de Rhett Butler, capitão que se apaixona por ela e faz o possível para conquistá-la.

Primeiramente há de se destacar que o filme traz uma visão idealizada dos Estados Confederados na luta contra os Estados Unidos (do sul latifundiário e escravista contra o Norte industrializado). Todos os soldados que se envolvem na guerra são colocados como heróis que defendem a família através uma causa justa, enquanto os americanos são meros selvagens. Quando Butler fala que o Sul não tem condições de enfrentar o adversário e deveria não se envolver com a guerra, é visto como um covarde. A visão racista e de superioridade com os negros também é atenuada e até mesmo vista de maneira digna, podemos assim dizer. Por outro lado, também explicita o triste panorama da guerra, através do sofrimento de milhares de famílias, com seus conhecidos voltando mortos, doentes ou com mínimas condições de sobrevivência. A própria Scarlett esclarece que não entende o motivo de tanto entusiasmo com uma guerra que parece mais satisfazer apenas os desejos masculinos de enfrentar um inimigo, mesmo sem um motivo real. A guerra é retratada de maneira desoladora através da cena em que ela procura por um médico para ajudar no parto de Melanie, mas tudo o que ela encontra são mortos e doentes a céu aberto e ninguém para atendê-la.

Scarlett O’Hara, a protagonista, é uma personagem incrível. De uma dimensão enorme, ela revela ser uma personagem imprevisível e de uma complexidade enorme. Tida no começo como uma moça sonhadora e apaixonada por um amor impossível, tentava despertar os ciúmes em Ashley estando sempre cercada de homens e convivia com o luxo obtido por sua família. Com os prejuízos e mortes causadas pela guerra, ela vê a necessidade de reconstruir a sua vida e enfrentar todas as dificuldades. Para não perder as terras onde vive para os americanos, ela se mostra uma pessoa destemida e extremamente corajosa. Mas aos poucos, também se mostra capaz de passar por cima de qualquer um, casar novamente com um homem que não ama, matar e negociar com seus antigos inimigos para enriquecer. Porém, quando ela percebe que isso não é o mais importante volta a sofrer um conflito de emoções que a faz pensar se tudo isso valeu realmente a pena. Viven Leigh no papel de Scarlett está maravilhosa. Transmite toda a emoção, coragem e bravura a sua personagem e mostrou que foi a melhor escolha entre as mais de 100 atrizes que participaram da seleção para viver a personagem. Sua atuação é pra mim a melhor atuação feminina do cinema.

Já Rhett Butler é um sujeito que tenta a todo custo esconder o que sente e tenta se mostrar maduro a qualquer situação que apareça. Porém, não resiste ao charme de Scarlett e acaba se mostrando um verdadeiro romântico, apaixonado de maneira absurda pela mulher e pela filha Bonnie. Já Ashley, por quem Scarlett se derrete se revela um mero coadjuvante, que pouco faz para ajudar Scarlett e sua mulher em momentos de necessidade. Já sua esposa Melanie é a mulher doce e delicada, que mostra sensatez durante os momentos insensatos de bravura da protagonista.

O filme ainda é comparado a estrutura das novelas com suas milhares de emoções, tramas e reviravoltas. O único porém é a duração de 4 horas do filme que estende cada uma de suas situações. Porém, isso não diminui o brilho de cada uma das cenas e traz uma carga dramática ainda maior. Cada diálogo ou cena de drama ou romance foi colocado na medida exata para emocionar o espectador. A produção de “E o vento levou” é extremamente avançada para os padrões da época. A direção de arte faz um trabalho maravilhoso, com a reconstituição de cada figurino e cenário adaptado de maneira correta para os padrões da época e extremamente realista, seja nos luxos das mansões dos latifundiários seja nas cenas de pobreza e morte dos hospitais a céu aberto. A fotografia também é maravilhosa.. As cenas contra a luz de Scarlett jurando que nunca mais passaria fome na vida é uma das mais marcantes da sétima arte. Assim como a cena do incêndio que destrói a cidade por onde ela passa. A escuridão de sua mansão ao se ver triste ou abandonada resume o espírito de sua personagem. Também não se pode deixar de falar da bela trilha sonora composta por Max Steiner, que completa o espetáculo.

Confira o trailer:

Cisne Negro

2011-02-07T07:45:00.000-08:00

Cisne Negro é um filme que, com certeza,impressionará os espectadores que o assistem. É justamente com esse objetivo que pretende mostrar através do balé um forte choque sobre a realidade humana e seus reflexos psicológicos. A trama conta a história de Nina, uma bailarina dedicada ao extremo que busca o papel da Rainha Cisne no balé clássico “O Lago dos Cisnes” de Tchaikovsky, vago com a aposentadoria de Beth, a primeira bailarina da compania. Ao ser selecionada para o papel ela busca lidar com a pressão por uma maior espontaneidade em seu personagem e vencer a concorrência da bailarina nova Lily, que começa a ganhar a preferência de Thomas, o diretor da montagem.

Nina é uma garota que busca a perfeição de todas as formas. Tem toda a técnica necessária, mas isso não basta. Ela não mostra prazer e vivacidade em seus gestos e com isso, começa a sofrer pressões cada vez maiores por parte de Thomas para mudar. A garota busca um sonho que vem muito mais sobre a forma de uma obrigação por uma vida inteira dedicada a dança. O diretor da dança utiliza a situação para se aproveitar, no sentido sexual, de Nina, que confusa e ingênua, começa a ceder às suas investidas.
Aliás a ingenuidade e a fragilidade de Nina são marcantes. Ela se deixa ser influenciada por todos aqueles que possivelmente podem ajudá-la e por isso exibe uma personalidade muito infantil, reforçada pelos acessórios de seu quarto e pela constante vigilância de sua mãe. Ela é dominada por Erica, sua mãe, uma ex-bailarina que abdicou de seu sonho para ter a filha e por isso não esconde que ainda guarda mágoas dela. Apesar de mostrar que tenta ajudá-la, Erica, contribui ainda mais para o estado de paranóia e loucura que a garota enfrentará.

A partir das pressões para melhorar, Nina começa a ter delírios, já que não consegue atingir o que Thomas exige dela. E o diretor Darren Aronofsky exibe isso de maneira brilhante, tanto na forma de alucinações e vozes que ela vê e ouve quanto nas atitudes de revolta e afronta a mãe. A cena final e aquela cena dentro de seu camarim com um espelho ilustram totalmente a que ponto chega seu esforço.

Enquanto as lesões em seus pés e o sangue em suas costas e dedos representam todo seu sofrimento, a sua ida à balada, suas masturbações e a influência de Lily exibem a sua libertação, mesmo que momentaneamente, da influência de sua mãe e das pressões que vem sofrendo. Nina vai mudando ao longo do filme até que uma pessoa totalmente diferente chegue à dança final. E é fascinante perceber isso simplesmente através de seus passos como o Cisne Negro. E ainda mais fascinante quando vai percebendo que seu único obstáculo era ela mesma.

Aliás, Lily, se mostra uma personagem exatamente inversa de Nina. Segura e confiante com o que faz, ela mostra grande segurança e muito mais vivacidade em seus passos, o que logo chama a atenção de todos. Ao se aproximar da protagonista, fica claro com as alucinações de Nina que Lily mostra interesse em disputar a vaga conquistada por Nina. Porém, neste ponto já não sabemos o quanto de real há nisso.

Tecnicamente falando, o filme também é perfeito. Empregando, closes nas sapatilhas, nas lesões de Nina e em pequenos detalhes estabelecem uma dramaticidade ainda maior a cada uma das cenas. A rapidez de cortes e movimentos bruscos de câmera também possuem essa mesma função. Utilizando planos de câmera próximos às dançarinas para exaltar seus movimentos, o diretor Aronofsky não hesita em empregar planos que dêem uma importância maior à expressão de seus atores. Isso enaltece ainda mais as atuações belíssimas de Natalie Portman, Mila Kunis e todos os demais. Mas o grande destaque é mesmo Natalie Portman, já que seu personagem exigiu uma carga psicológica muito grande, mas que ela interpreta de maneira incrível. A atuação de Natalie Portman está entre algumas das melhores atuações femininas que já vi no cinema. Além disso, a fotografia também é impecável representando toda a imensidão da bailarina frente a uma platéia ou a solidão e a degradação que a personagem vem sofrendo. Outros quesitos como maquiagem, figurino e direção de arte também se destacam.

Cisne Negro traz diversas questões a tona, mas a principal delas talvez seja o questionamento da verdadeira felicidade de Nina. Vale a pena abdicar a tudo, se torturar e sofrer de uma forma degradante em busca de um objetivo? E esse objetivo parecia mesmo ser algo tão doloroso ou era apenas uma dificuldade imposta pela própria Nina? São perguntas que nos fazem refletir e que incomodam tanto quanto assistir à tortura física e psicológica da protagonista.

Também é importante destacar que o filme não tenta trazer ao balé uma analogia de atividade sacrificadora e degradante. Quem traz isso à atividade são as próprias pessoas envolvidas e pelas atitudes que exigem dos outros. O longa, afinal, traz uma bela homenagem ao balé, que mesmo contrastando com a situação de Nina, não deixa de perder sua beleza e delicadeza. Cisne Negro é um filme maravilhoso, um dos melhores desse ano, senão o melhor. Já virou também meu filme preferido na corrida pelo Oscar pelo menos nas categorias de melhor filme, melhor direção com Daren Aronofsky e melhor atriz com Natalie Portman. Também concorre como melhor fotografia, melhor roteiro original e melhor edição. Se for vencedor nessas categorias, também serão prêmios mais que merecidos.

Confira o trailer:

Grandes Transformações

2011-02-06T08:33:00.000-08:00

No cinema, maquiagem, figurino e diversos recursos técnicos têm um poder impressionante de transformar atores em personagens que nunca imaginaríamos que eles seriam. Confira no vídeo abaixo alguma grandes transformções nesse sentido:

Consegue lembrar de mais alguma grande transformação que marcou a história do cinema?

A Fita Branca

2011-02-02T18:16:00.000-08:00

A Fita Branca é um daqueles poucos filmes que conseguem traçar de forma eficaz um panorama das verdadeiras características e temperamentos das pessoas da forma mais pessimista possível. Por isso, possui grandes semelhanças com Dogville. O filme conta a história de um pequenos vilarejo na Alemanha, em 1913, as vésperas da Primeira Guerra Mundial. O vilarejo é um lugar completamente isolado e vive sem qualquer tipo de governo, exceto pela autoridade de um barão poderoso do local responsável por várias plantações, resultando praticamente numa espécie de feudalismo parado no tempo. Ou seja, é um retrato da sociedade alemã que viria a criar e apoiar o nazismo, especialmente no temperamento dos mais jovens e com o que herdaram das gerações passadas. Porém, as pessoas e todas as situações ali presentes podem ter acontecido a qualquer época e em qualquer sociedade.

Os conflitos passam a ser desvendados a partir do momento em que vão crimes na região começam a ser realizados. Primeiro, um arame é colocado para que o médico da cidade caia do cavalo e se machuque seriamente. Depois, uma mulher morre ao trabalhar com uma das máquinas da fazenda e outras formas de torturas são realizadas ao filho do barão e a um garoto com necessidades especiais. O que se mostrava ser uma aldeia pacata, agora convive com uma série de atentados e a cidade tenta encontrar os responsáveis pelos crimes. Com isso, a verdadeira natureza dos moradores passa a ser desvendada. A primeira relação é entre os pais e filhos. O pastor utiliza métodos absolutamente desnecessários e extremamente rígidos para tentar “colocar seus filhos na linha” e educá-los da forma mais repressiva possível em nome dos valores tradicionais da família e da religião. Os filhos, por sua vez, se revoltam internamente e por isso são considerados os maiores culpados pelos crimes pelo professor do local. A fita branca, que dá o título ao longa, é utilizada pelo pastor como símbolo de inocência e pureza e acaba representando apenas mais uma forma de controle e repressão por adultos que não sabem, educar seus filhos de outra maneira.

O médico da região também utiliza métodos agressivos na convivência com a parteira da região, mulher com quem vive e que cuida de seu filho. Ele não hesita em humilhá-la e agredi-la a troco de nada, apenas de se mostrar superior. Já a relação que o barão do local também vive com a baronesa também possui muitas semelhanças. Ao mesmo tempo, os filhos de uma família simples da região questiona os métodos utilizados pelo Barão ao ver sua mãe morta em uma de sua máquinas. Porém, são reprimidos pelo pai ao protestarem uma vez que dependem desse mesmo barão para o sustento de sua família. Ao mesmo tempo, o professor da escola vive uma paixão com uma simples trabalhadora do local.

A direção de Michael Haneke é talvez o maior trunfo da produção. Com uma fotografia preta e branca, que varia para tons mais sombrios ou mais claros dependendo da cena, o diretor também opta por uma narrativa mais lenta, mas que não deixa de ser atraente. Muitas vezes, utiliza apenas o som para ilustrar o que acontece em uma determinada cena. Os cenários de absoluta calmaria e tranqüilidade contrastam com uma rigidez e tensão presente principalmente dentro das casas dos moradores. As atuações também merecem destaque, especialmente as das crianças. A Fita Branca acaba se tornando um ótimo retrato da natureza humana, vista de forma pessimista mas extremamente real.

Confira o trailer:

Indicados ao Oscar 2011

2011-01-28T05:46:00.000-08:00

Reirado do site Cinema em Cena: http://cinemaemcena.com.br/Premiacao_Detalhe.aspx?ID_PREMIO=1&ID_PREMIACAO=1709

O maior destaque na 68ª edição dos prêmios Globo de Ouro ficou para A Rede Social, filme magistralmente dirigido por David Fincher. Controversamente considerada o termômetro dos indicados aos prêmios Oscar, a premiação galardoou o longa com quatro estatuetas, incluindo a de Melhor Filme (Drama) e Melhor Diretor. É hora de saber se esse termômetro é mesmo confiável.

Na expectativa pela lista oficial de indicados ao Oscar divulgada hoje pela Academia, todo cinéfilo que se preze deve ter se lembrado de incluir A Rede Social entre seus palpites. E, se não se lembrou, não é algo com o que se preocupar demais. Com 8 indicações, o longa surpreendeu ao concorrer a um número menor de estatuetas que O Discurso do Rei, nessa que é a 83ª dição da cerimônia.

Não só de David Ficher vivem as premiações cinematográficas. Coube à produção britânica O Discurso do Rei liderar a lista de indicados, assim como fez no Globo de Ouro, corroborando com a percepção geral de que essa premiação pode mesmo ser um termômetro para o Oscar. A produção britânica estrelada por Colin Firth, Geoffrey Rush e Helena Bonham-Carter arrebatou críticas positivas e concorre agora a 12 estatuetas.

Destaque também para o western dos irmãos Cohen, Bravura Indômita, que recebeu 10 indicações.

Parece que o diretor Quentin Tarantino errou feio em suas apostas. Em uma lista divulgada por ele em seu blog, filmes como Jackass 3D chegaram a ser considerados dignos de concorrer ao maior prêmio do cinema mundial. Brincadeira ou não, a Academia não teve o mesmo senso de humor, e manteve um alto nível nos indicados para a premiação deste ano.

Confira abaixo a lista dos indicados:

Melhor Filme

Cisne Negro

O Vencedor

A Origem

Minhas Mães e Meu Pai

O Discurso do Rei

127 Horas

A Rede Social

Toy Story 3

Bravura Indômita

Inverno da Alma

Melhor Direção

Darren Aronofsky, Cisne Negro

David Fincher, A Rede Social

Tom Hooper, O Discurso do Rei

David O. Russell, O Vencedor

Joel & Ethan Cohen, Bravura Indômita

Melhor Ator

Javier Bardem, Biutiful

Colin Firth, O Discurso do Rei

James Franco, 127 Horas

Jesse Eisenberg, A Rede Social

Jeff Bridges, Bravura Indômita

Melhor Ator Coadjuvante

Christian Bale, O Vencedor

John Hawkes, Inverno da Alma

Mark Ruffalo, Minhas Mães e Meu Pai

Geoffrey Rush, O Discurso do Rei

Jeremy Renner, Atração Perigosa

Melhor Atriz

Annette Bening, Minhas Mães e Meu Pai

Nicole Kidman, Reencontrando a Felicidade

Jennifer Lawrence, Inverno da Alma

Natalie Portman, Cisne Negro

Michelle Williams, Namorados para Sempre

Melhor Atriz Coadjuvante

Amy Adams, O Vencedor

Helena Bonham-Carter, O Discurso do Rei

Melissa Leo, O Vencedor

Hailee Steinfeld, Bravura Indômita

Jacki Weaver, Animal Kingdom

Melhor Filme Estrangeiro

Biutiful (México)

Dogtooth (Grécia)

Em Um Mundo Melhor (Dinamarca)

Incêndios (Canadá)

Fora da Lei (Algéria)

Melhor Roteiro Original

Christopher Nolan, A Origem

David Seidler, O Discurso do Rei

Mike Leigh, Another Year

Scott Silver, Paul Tamasy & Eric Johnson, O Vencedor

Lisa Cholodenko e Stuart Blumberg, Minhas Mães e Meu Pai

Melhor Roteiro Adaptado

Aaron Sorkin, A Rede Social

Marguerite Roberts, Bravura Indômita

Danny Boyle, Simon Beaufoy, 127 Horas

Debra Granik, Anne Rosellini, Inverno da Alma

Michael Arndt, Toy Story 3

Melhor Filme de Animação

Como Treinar o Seu Dragão

O Mágico

Toy Story 3

Melhor Fotografia

Cisne Negro, Matthew Libatique

A Origem, Wally Pfister

O Discurso do Rei, Danny Cohen

Bravura Indômita, Roger Deakins

Rede Social, Jeff Cronenweth

Melhor Documentário

Exit Through The Gift Shop, Paranoid Pictures

Gasland, Gasland Productions

Inside Job, Representational Pictures

Restrepo, Outpost Films

Lixo Extraordinário, Almega Projects Production

Melhor Documentário de Curta-metragem

Killing in the name

Poster girl

Strangers no more

Sun come up

The warriors of Qiugang

Melhor Montagem

Cisne Negro, Andrew Wesiblum

O Vencedor, Pamela Martin

O Discurso do Rei, Tariq-Anwar

127 Horas, Jon Harris

A Rede Social, Angus Wall e Kirk Baxter

Melhor Trilha Sonora

Como Treinar o Seu Dragão, John Powell

A Origem, Hans Zimmer

O Discurso do Rei, Alexandre Desplat

127 Horas, A.R. Rahman

A Rede Social, Trent Reznor e Atticus Ross

Melhor Direção de Arte

Alice no País das Maravilhas, Robert Stromberg , Karen O´Hara

Harry Potter e as Relíquias da Morte - Parte I, Stuart Craig (Design de Produção), Stephenie McMillan (Decoração de Set)

A Origem, Guy Hendrix Dyas (Design de Produção), Larry Dias and Doug Mowat (Decoração de Set)

O Discurso do Rei, Eve Stewart (Design de Produção), Judy Farr (Decoração de Set)

Bravura Indômita, Jess Gonchor (Design de Produção), Nancy Haigh (Decoração de Set)

Melhor Figurino

Alice no País das Maravilhas, Colleen Atwood

I Am Love, Antonella Cannarozzi

O Discurso do Rei, Jenny Beavan

A Tempestade, Sandy Powell

Bravura Indômita, Mary Zophres

Melhor Maquiagem

A Minha Versão do Amor, Adrien Morot

The Way Back, Edouard F. Henriques, Gregory Funk and Yolanda Toussieng

O Lobisomem, Rick Baker e Dave Elsey

Melhor Canção

Coming Home, Country Strong

I See The Light, Enrolados

If I Rise, 127 Horas

We Belong Together, Toy Story 3

Melhor Edição de Som

A Origem, Richard King

Toy Story 3, Tom Myers and Michael Silvers

Tron - O Legado, Gwendolyn Yates Whittle e Addison Teague

Bravura Indômita, Skip Lievsay e Craig Berkey

Incontrolável, Mark P. Stoeckinger

Melhor Mixagem de Som

A Origem, Lora Hirschberg, Gary A. Rizzo e Ed Novick

O Discurso do Rei, Paul Hamblin, Martin Jensen e John Midgley

Salt, Jeffrey J. Haboush, Greg P. Russell, Scott Millan and William Sarokin

A Rede Social, Ren Klyce, David Parker, Michael Semanick and Mark Weingarten

Bravura Indômita, Skip Lievsay, Craig Berkey, Greg Orloff and Peter F. Kurland

Efeitos Visuais

Alice no País das Maravilhas, Ken Ralston, David Schaub, Carey Villegas e Sean Phillips

Harry Potter e As Relíquias da Morte - Parte I, Tim Burke, John Richardson, Christian Manz eNicolas Aithadi

A Origem, Paul Franklin, Chris Corbould, Andrew Lockley and Peter Bebb

Homem de Ferro II, Janek Sirrs, Ben Snow, Ged Wright and Daniel Sudick

Além da Vida, Michael Owens, Bryan Grill, Stephan Trojanski e Joe Farrell

Melhor Curta

The Confession

The Crush

God Of Love

Na Wewe

Wish 143

Melhor Curta Animado

Day & Night

the Gruffalo

Let´s Pollut

The Lost Thing

Madagascar

E aí quais são as suas apostas para o Oscar?

CINECLUBE01 comenta: Gomorra

2011-01-25T16:04:00.000-08:00

Existem filmes que nos impressionam pelo seu realismo. Filmes que nos fazem perguntar se aquela é mesmo uma obra de ficção e enxergar uma realidade que não vemos ou não queremos ver e por isso, possuem um impacto profundo perante a sociedade. Gomorra, filme italiano de 2008, dirigido por Mateo Garrone é um grande exemplo que nos choca imensamente só de pensar que tudo aquilo pode estar acontecendo neste exato momento.

A produção retrata o funcionamento da máfia napolitana chamada Camorra e as conseqüências de suas ações em diversas atividades que envolvem cidadãos comuns italianos. Acompanhamos a história de cinco personagens: o costureiro Pasquale tem seu trabalho pouco reconhecido e começa a se envolver com comerciantes chineses. Porém, essa decisão fará com que a máfia intervenha e faça de tudo para prejudicá-lo. Já Franco, que pertence a gangue não se importa nem um pouco de enterrar lixo tóxico produzido pelas empresas parceiras da máfia perto de casas de cidadãos comuns, mesmo que isso traga diversas doenças e mortes a essas pessoas. O jovem Totò é um menino que cresceu cercado pelas ações dos mafiosos e sonha em ser como eles para angariar dinheiro e poder. Mas aos poucos vai vendo que não há nada de glamoroso nas ações desenvolvidas pela gangue. Um veterano da organização se encontra no meio de uma guerra entre duas facções. E por fim, dois jovens, que enxergam em Tony Montana, de Scarface, um ídolo, tentam enfrentar os chefões da organização local e ganham sérios problemas com isso.

As 5 histórias são interessantes, mas falta ritmo para o filme. Contada de maneira lenta (típicas do cinema europeu), com longas cenas e planos-sequências, somos apresentados a cada uma das situações e esperamos por um possível entrelaçamento das tramas. Porém, ela não acontece. A intenção do filme é mostrar apenas como a máfia se organiza em diversos setores da sociedade, sem que tenham necessariamente uma ligação entre si. E o diretor Mateo Garrone consegue isso. Porém, os seus personagens parecem perder força e nos dão a impressão de terem pouco a oferecer dentro da história. Ao tentar ser um filme mais limpo, mostrando mais atitudes burocráticas e pouca ação o filme também perde em emoção por dar pouco sentido aos seus personagens. Tanto que para dar ao espectador o tamanho da influência da organização foram necessárias informações adicionais ao fim do filme.

Gomorra era uma cidade bíblica que teria sido destruída por Deus em função da vida repleta de pecados de seus habitantes. Ou seja, o nome traz uma visão bem pessimista sobre a região: de que não haveria nenhuma forma de futuro por ali por conta da ação dos mafiosos. E nesse ponto o filme cumpre seu papel, mesmo que de forma pouco atraente. Ficamos com a sensação de que é impossível viver sem a ação da organização presente diariamente na vida de todas as pessoas. Direta ou indiretamente, os habitantes acabam vivendo em função do trabalho da gangue, sem opção de escolha, já que a polícia também é completamente ineficiente. Uma máfia que não se incomoda nem um pouco em lucrar das formas mais ilegais possíveis, passando por cima de quem estiver em seu caminho. O próprio Roberto Saviano, autor do livro que deu origem ao filme, vive cercado de seguranças por conta das revelações de sua obra. É triste pensar que tudo isso é absolutamente real e talvez muito mais perverso do que era no seu auge na década de 80, uma vez que atua silenciosamente sem que haja qualquer forma de investigação ou punição aos criminosos.

Gomorra traz, mesmo que de forma imperfeita, todas essas reflexões a tona. Se não é um filme intrigante, empolgante, nos faz pensar e enxergar uma realidade invisível, mas que afeta a vida de milhares de pessoas.

Confira o trailer:

Globo de Ouro 2011 - Vencedores

2011-01-17T12:00:00.000-08:00

Ontem a noite foi realizada a premiação do Globo de Ouro 2011. O grande vencedor da noite foi o filme “Rede Social”, que conta a história de Mark Zuckerberg, criador do Facebook. A produção faturou os prêmios de melhor filme de drama, melhor diretor (David Fincher), melhor roteiro (Aaron Sorkin) e melhor trilha sonora original (Trent Reznor e Atticus Ross). A comédia “Minhas mães e meu pai” levou o prêmio de melhor filme de comédia ou musical. Já Toy Story 3 levou a melhor animação e "In a better world" da Dinamarca o prêmio de melhor filme estrangeiro.

Produtores do vencedor da noite "A Rede Social"

Antes da cerimônia, aconteceu o desfile de diversas celebridades pelo tapete vermelho que leva à entrada da premiação, momento também muito aguardado pelo público. A abertura da cerimônia ficou por conta do comediante Rick Gervais, que arrancou muitos risos da platéia. Depois Scarlett Johansson, Steven Spielberg, Tom Hanks, Sandra Bullock, Jeff Bridges e outras personalidades entregaram as várias premiações da noite. Matt Damon foi o responsável por entregar o troféu Cecil B.DeMille, que homenageia a cada ano um grande nome do cinema, a Robert DeNiro. O ator foi aplaudido pela platéia, viu um vídeo em sua homenagem e fez um longo discurso.

Natalie Portman recebe o prêmio de melhor atriz por "Cisne Negro"

A 68ª edição do Globo de Ouro foi marcada por muitas polêmicas. A Associação de Imprensa Estrangeira de Hollywood está envolvida em diversas batalhas judiciais. Está processando a Dick Clark Company, empresa que produz o evento há 20 anos e está sendo processada pelo ex-funcionário demitido no ano passado Michael Russel, que era divulgador do evento. A edição também foi vista com desconfiança por conta de indicações completamente fracas, criticadas tanto pelo público quanto pela crítica como “Burlesque” e “O Turista”, indicados a melhor comédia ou musical. Porém, na hora da premiação, cheia de luxo e glamour, tudo isso parece ter sido aparentemente esquecido.

Muitos títulos que estavam envolvidos na premiação ainda não chegaram ao Brasil, portanto não posso dizer se foi correta sua indicação ou não. Mas não concordo com a premiação de "Rede Social". É um bom filme sim, mas preferia até mesmo que "A Origem", um ótimo filme, fosse o vencedor ou mesmo algum dos outros títulos como "Cisne Negro" e "O Vencedor", que foram bem recebidos pela crítica e são esperados ansiosamente pelo público. E você concorda com a premiação de ontem?

Confira todos os vencedores da parte de cinema:

Melhor ator coadjuvante

Christian Bale - “O vencedor” - VENCEDOR

Andrew Garfield - “A rede social”

Geoffrey Rush - “O discurso do rei”

Jeremy Renner - “Atração perigosa”

Michael Douglas - “Wall Street: o dinheiro nunca dorme”

Melhor atriz em série dramática

Julianna Margulies - "The good wife"

Piper Perabo - "Covert affairs"

Elisabeth Moss - "Mad men"

Katey Sagal - "Sons of anarchy" - VENCEDORA

Kyra Sedgwic - "The closer"

Melhor minissérie ou filme de TV

"Carlos" - VENCEDOR

"The pacific"

"Pillars of the earth"

"Temple grandin "

"You don’t know Jack"

Melhor ator coadjuvante em série, minissérie ou filme de TV

Eric Stonestreet - "Modern family"

Chris Colfer - "Glee" - VENCEDOR

Scott Caan - "Hawaii 5.0"

Chris Noth - "The good wife"

David Strathairn - "Temple grandin"

Melhor ator em série dramática

Michael C. Hall - "Dexter"

Bryan Cranston - "Breaking bad"

Jon Hamm - "Mad Men"

Hugh Laurie - "House"

Steve Buscemi - "Boardwalk empire" - VENCEDOR

Melhor série dramática

"Mad men"

"Boardwalk empire" - VENCEDOR

"Dexter"

"The good wife"

"The walking dead"

Canção original

“Bound to you” - “Burlesque”

“You haven’t seen the last of me” - “Burlesque” - VENCEDORA

“There’s a place for us” - “As crônicas de Narnia: a viagem do peregrino da alvorada”

“Coming home” - “Country strong”

“I see the light” - “Enrolados”

Trilha sonora original

“127 horas”

“O discurso do rei”

“Alice no país das maravilhas”

“A rede social" - VENCEDORA

“A origem”

Melhor animação

“Meu malvado favorito”

“Enrolados”

“Como treinar o seu dragão”

“Toy story 3" - VENCEDORA

“O mágico”

Melhor atriz musical ou comédia

Anne Hathaway - “O amor e outras drogas”

Angelina Jolie - “O turista”

Annette Bening - “Minhas mães e meu pai” - VENCEDORA

Julianne Moore - “Minhas mães e meu pai”

Emma Stone - “A mentira”

Melhor roteiro

Danny Boyle e Simon Beaufoy - “127 hours”

Stuart Blumberg e Lisa Cholodenko - "Minhas mães e meu pai"

Christopher Nolan - “A origem”

David Seidler - “O discurso do rei”

Aaron Sorkin - “A rede social” - VENCEDOR

Melhor filme estrangeiro

“Biutiful” (México)

“The concert” (França)

“The edge” (Rússia)

“I am love” (Itália)

“In a better world” (Dinamarca) - VENCEDOR

Melhor atriz coadjuvante

Amy Adams - “O vencedor”

Helena Boham Carter - “O discurso do rei”

Melissa Leo - “O vencedor” - VENCEDORA

Mila Kunis - “Cisne negro”

Jacki Weaver - “Animal kingdom”

Melhor diretor

Darren Arronofsky - “Cisne negro”

David Fincher - “A rede social” - VENCEDOR

Tom Hooper - “O discurso do rei”

Christopher Nolan - “A origem”

David O. Russell - O vencedor”

Melhor ator musical ou comédia

Johnny Depp - “O turista”

Johnny Depp - “Alice no País das Maravilhas”

Paul Giamatti - “Barney’s version” - VENCEDOR

Jake Gyllenhaal - “O amor e outras drogas”

Kevin Spacey - “Casino Jack”

Melhor atriz de drama

Halle Berry - “Frankie and Alice”

Nicole Kidman - “Rabbit hole”

Natalie Portman - “Cisne negro” - VENCEDORA

Michelle Williams - “Blue valentine”

Jennifer Lawrence - “Inverno da alma”

Melhor filme musical ou comédia

“Burlesque”

“O turista”

“Minhas mães e meu pai” - VENCEDOR

“Red – Aposentados e perigosos”

“Alice no País das Maravilhas”

Melhor ator de drama

Jesse eisenberg - “A rede social”

Colin Firth - “O discurso do rei” - VENCEDOR

Jame Franco - “127 horas”

Ryan Gosling - “Blue Valentine”

Mark Wahlberg - “O vencedor”

Melhor filme drama

“O cisne negro”

“O vencedor”

“A rede social” - VENCEDOR

“O discurso do rei”

“A origem”

Saneamento Básico o filme

2011-01-14T13:42:00.000-08:00

Falar sobre o próprio cinema em um filme sem que o espectador perca o interesse pela trama não é uma tarefa fácil. E fazer isso de maneira engraçada se torna ainda mais complicado. Mas é o que conseguiu o diretor Jorge Furtado com o simples, mas extremamente divertido “Saneamento Básico o Filme”. A trama se passa na pequena cidade de Vila Cristal na Serra Gaúcha, desprovida de qualquer forma de saneamento básico. Os moradores se unem para tentar angariar recursos para a construção de uma fossa de esgoto, porém a prefeitura não tem verba suficiente para a obra. No entanto, possui R$ 10 mil para a realização de um vídeo, que se não for utilizado, será devolvido ao governo federal. Assim, a comunidade resolve produzir o vídeo com a garantia de que a prefeitura começará a construção das obras. A condição é que deverá ser um filme de ficção e que é necessário um roteiro para a liberação do dinheiro. Sem nenhuma noção de como produzir um filme, os produtores passam por situações hilárias, uma vez que as coisas são bem mais complexas do que eles imaginam.

O filme acompanha todo o planejamento e filmagem do vídeo e satiriza o próprio cinema. Afinal, etapas importantes como o roteiro, a montagem e as próprias atuações são deixadas de lado. Marina (Fernanda Torres), junto com seu marido Joaquim (Wagner Moura) são os maiores interessados na obra da fossa, já que ele começa a desenvolver uma micose por conta da poluição. Marina se preocupa mais em encher lingüiça no roteiro e preencher os 10 minutos de filmagem exigidos do que em tentar explicar as incoerências do roteiro planejado inicialmente, o que se assemelha àquele aluno que tenta fazer a lição de casa de qualquer maneira para se livrar da obrigação. Ela mesmo diz: “O roteiro não importa, só temos que fazer mandar esse roteiro para receber o dinheiro e para finalizar a obra”. Crítica aos cineastas que apresentam roteiros em troca da verbas do governo, sem a menor intenção de serem utilizados na filmagem depois.

Com isso a realização do “O Monstro do Fosso” acaba se tornando extremamente engraçada, com uma cena sendo colocada em cima da outra sem o menor planejamento. Silene (Camila Pitanga) e Fabrício (Bruno Garcia) conseguem ser divertidos apenas com a atuação completamente forçada de seus personagens no filme. Ao contrário de Joaquim e Marina, Silene e Fabrício têm objetivos diferentes com o filme. Fabrício quer usar a projeção para se tornar prefeito da cidade, enquanto Silene tenta sair dali o mais breve possível para brilhar pelo mundo inteiro com seu “talento”. Nada diferente da realidade. Ela nos diverte com sua ingenuidade e ele com o grande ciúme que sente por ela.

O resultado final de “O Monstro do Fosso” se torna uma crítica ainda maior à sétima arte. Com trechos engraçados, ação, “belas cenas de serem vistas” e uma linda mensagem no final, o filme acaba sendo um sucesso total na cidade, mesmo com uma história incoerente, confusa e sem o menor sentido. Muito semelhante a filmes que se tornam sucessos de público apenas pelo visual e não pelo conteúdo e que tudo o que menos importa é o roteiro, como pensou Marina. Ou seja, uma cutucada no público e na crítica que aplaude e admira essas projeções.

Também é preciso comentar sobre o personagem de Lázaro Ramos, Zico. Contratado para editar a produção (Joaquim e Marina perceberam que isso era realmente necessário depois de finalizarem as montagens), ele se mostra um tremendo de um aproveitador. Quer refilmar cenas, fica admirado com a beleza de Silene e tenta se aproveitar dela, pede uma boa grana para a edição e tenta sair com créditos pela direção do filme. O fato é que sabe do que o público gosta e tem uma boa lábia, por isso utiliza as cenas certas para que a produção se torne um sucesso. Assim, ele faz um discurso todo agradecido ao prefeito pelo incentivo que a produção recebeu e após a exibição do curta já anuncia novos trabalhos que estão por vir. Aliás, o próprio prefeito se aproveita da situação e, quando a obra na fossa é iniciada, já posa para fotos e faz um discurso como sendo o grande responsável pelo projeto, quando na verdade não era.

Jorge Furtado também critica a própria distribuição do dinheiro público destinado às artes. Eles possuem o dinheiro para fazer um filme, mas não há verbas para as obras no esgoto da cidade. Assim, os recursos de uma lei de incentivo acabam sendo a única saída, mesmo que errada, para a construção de obras essenciais para qualquer população. Uma grande distorção ao destino final que as verbas deveriam ser utilizadas. E mesmo quando possuem verbas, a realização das produções é difícil e a distribuição do trabalho é tão difícil quanto.

O que pode-se observar é que o próprio “Saneamento Básico – o filme” acabou sendo esquecido ou pouco observado por parte do público e da crítica e sofreu até mesmo com a estrutura de distribuição e divulgação do cinema no país. Filmado com recursos simples, o filme é uma das mais divertidas e ao mesmo tempo inteligentes comédias já realizadas recentemente pelo cinema nacional.

Confira o trailer:

Sérgio Leone

2011-01-11T08:53:00.000-08:00

O diretor Sérgio Leone deixou uma marca indiscutível para a história do cinema. O italiano trouxe uma nova roupagem aos já desgastados filmes de faroeste na década de 60, conquistando um público fiel de trabalho e resgatando a glória dos velhos filmes de bang-bang no mundo inteiro. Com ele surgiu o gênero Western Spaghetti, faroeste dirigido em locações italianas que simulavam o velho oeste americano e que utilizavam muito sangue em suas cenas.

Leone começou a carreira com filmes históricos de pouca repercussão, mas ficou primeiramente famoso com a trilogia dos dólares, composta por “Por um punhado de dólares” (1964), “Por uns dólares a mais” (1965), e “Três Homens em Conflito” (1968), e trouxe fama mundial a Clint Eastwood no papel do Homem sem nome, protagonista dos três filmes. As produções tiveram um baixo orçamento, mas fizeram um sucesso estrondoso que consagraram o diretor. Leone passou a ser conhecido por não apresentar histórias com roteiros muito elaborados, mas sim caprichar na parte técnica e em cada elemento da direção.

Mas isso mudou quando ele lançou “Era uma vez no Oeste”, considerado até hoje um dos melhores faroestes já produzidos. Com grande maturidade, Leone toca em temas políticos e consegue emocionar o espectador com uma trama surpreendente e extremamente tocante. E isso tudo sem perder as suas marcas registradas. Após o fracasso de “Quando explode a vingança”, Leone entrou em depressão e se afastou temporariamente da carreira como cineasta. Tudo isso para voltar em 1983 com “Era uma vez na América”, que retomou parte do prestígio perdido de sua carreira de um modo bem diferente. Em vez das paisagens do deserto, o italiano produziu um belo filme sobre a máfia no cenário urbano de Nova York.

Sérgio Leone possuía diversas características que o diferenciava dos demais diretores. A principal delas talvez seja o cuidado com a elaboração de cada uma de suas cenas. Tudo era montado milimetricamente. Ficou conhecido pelos famosos duelos entre os personagens e utilizava elementos para aumentar a tensão antes de cada um deles, especialmente no duelo final que decidia o filme. Por isso ressaltava a importância das interpretações e expressões dos atores. Esses eram os casos dos closes nos rostos, que mostravam o suor e o sofrimento de cada personagem antes da batalha, e também em suas armas. Tornava-se um duelo de olhares, extremamente psicológico, antes do duelo em si.

Suas narrativas eram lentas e desenvolvidas. Filmou diversos planos-sequência, e em diversas vezes a ação se tornava muito mais importante do que um diálogo. Também merecem destaque as belas locações do diretor. Em um cenário absolutamente desolador e sem futuro, populações se amedrontam diante dos duelos que acontecem em suas cidades. E é justamente essa atmosfera da cidade vazia, vista da perspectiva do personagem com o perigo podendo chegar a qualquer momento, que aumentava a expectativa da cena. Para colaborar ainda mais com isso contou com a parceria eterna do músico Enio Morricone, responsável por algumas das trilhas sonoras mais marcantes dos westerns. Com uma mistura de instrumentos, assobios e corais masculinos trouxe uma identidade ainda maior ao filmes de Leone.

Seus personagens também eram dotados de grande sarcasmo, o que garantia alguns bons momentos de humor. Porém não possuíam grande complexidade e tinham suas motivações e personalidades desvendadas claramente (exceto em “Era uma vez no Oeste”). O diretor conseguia trazer a identificação do espectador com seu personagem principal e as vezes até uma aproximação com o vilão. Mesmo os mocinhos de seus filmes, não eram totalmente colocados como virtuosos pelo diretor e possuíam interesses que os colocavam muito próximos dos vilões. Logicamente alguns deles não possuíam nenhum outro interesse que não fosse o de ganhar dinheiro facilmente, não importando o que tivesse que fazer. Isso tornava qualquer tipo de aliança realizada, fácil de ser desfeita a qualquer momento.

Enfim, Sérgio Leone foi e ainda é o ícone de diversos amantes do cinema. Com técnicas primorosas e bem desenvolvidas deixou uma marca inesquecível em um gênero só seu. Vale muito a pena acompanhar a carreira do cineasta e compreender tudo o que esse italiano ofereceu para o mundo da sétima arte.

Confira algumas das cenas mais marcantes dos filmes realizados pelo diretor:

Curtindo a vida adoidado

2011-01-08T08:20:00.000-08:00

Curtindo a vida adoidado é um dos maiores clássicos do cinema dos anos 80 e que resultou na consagração total da bela carreira de John Hughes como diretor, produtor e roteirista. O longa se tornou um símbolo juvenil e passou a ser extremamente parodiado, imitado, admirado e até mesmo criticado por muitos, resultado da polêmica que envolve sua trama. A trama apresenta o adolescente Ferris Buller (Ma, que simula uma séria doença aos pais para poder faltar a aula naquele dia. Com isso, ele chama seu melhor amigo Cameron Frye (Alan Ruck) e sua namorada Sloane Peterson (Mia Sara) para saírem por vários locais da cidade e aproveitarem o melhor dia de suas vidas. Com isso, eles passam por diversas aventuras e desafios para que seus pais não suspeitem de nada, nem o diretor da escola Edward Rooney (Jeffrey Jones) e nem a irmã de Ferris, Jeanie Buller, (Jennifer Grey) os atrapalhem.

Hughes superestima o poder dos adolescentes e lhes confere inteligência e até mesmo a capacidade de manipular os adultos dentro da trama, que são retratados até mesmo de forma estereotipada na trama. Assim, os jovens deixam de ser coadjuvantes para se tornarem protagonistas complexos. Os pais de Ferris fazem parte daquela família americana aparentemente considerada ideal e perfeita, que acredita o tempo todo em seu filho e não suspeita de nada errado, nem mesmo quando o diretor Rooney os adverte. O trio protagonista retrata o sonho de todo adolescente: poder ter um dia livre longe das obrigações escolares (retratadas como algo insuportável) e da pressão por resultados podendo aproveitar um dia da forma que bem entenderem. Até por isso o filme foi visto criticado e visto como estímulo para que os jovens “quebrem as regras” e desobedeçam seus pais. Isso fica ainda mais claro com a transformação de Jeanie ao fim da trama, ao proteger seu irmão do diretor, e de ter se arrependido de não ter aproveitado seu dia do jeito que queria.

O grande objetivo de Ferris é não apenas aproveitar seu dia com sua namorada, mas também fazer com que Cameron também aproveite e se divirta de uma maneira que ele nunca se divertiu antes. Ferris exalta o tempo todo a importância dessa descontração e de não se preocupar com o que o pai ou qualquer outra pessoa pense disso. A cena da destruição da Ferrari de seu pai, com a qual ele se preocupou tanto ao longo do filme, exalta sua perfeita transformação ao se revoltar contra as imposições do pai. Ferris também é visto como exemplo na escola em que estuda e o diretor Rooney mostra preocupação com o tamanho da influência que o garoto exerce sobre os alunos em sua escola. Com isso, ele convence a todos de que está com uma grave doença e consegue até mesmo arrecadar com isso. O protagonista também conversa com o público olhando diretamente para a câmera, recurso muito utilizado por Woody Allen.

Além disso, também é exibida a felicidade com a cultura consumista e capitalista da época, ou seja possui um ideal político forte mas que acaba passando despercebido. A trama do filme é simples, pouca complexa de ser entendida e pouco original em relação a outros filmes do gênero. A trama do filme é simples, pouco complexa de ser entendida e pouco original em relação a outros filmes do gênero. Mas a maneira como Hughes a constrói é que se torna inesquecível. Desde as atrapalhadas do diretor Rooney ao tentar flagrar as armações de Ferris, até a identificação com o protagonista e suas diversas aventuras e tentativas de escapar dos pais, tudo ficou eternizado para essa geração da época e para as gerações futuras. O filme se tornou um lema de vida para diversos jovens. Afinal o lema de Ferris é: “Eu já disse isso uma vez. Vou dizer novamente: A vida passa muito rápido; se você não parar e olhar ao redor, você pode perdê-la”

Confira o trailer:

Principais estreias em 2011

2011-01-04T06:59:00.000-08:00

Começa 2011 e com ele novos filmes chegam ao cinema a cada semana. O primeiro semestre é composto especialmente por filmes elogiados pela crítica e que concorrem aos prêmios dos principais festivais de cinema. A partir do fim do primeiro semestre e segundo semestre, entre os que já estão confirmados, começam a chegar mais filmes comerciais, especialmente sequências de filmes que já fizeram sucesso. Também há tendência para a aposta forte na tecnologia 3D. O cinema nacional também marca presença, mas a primeira vista não há nenhuma produção que podemos colocar como futuro sucesso absoluto no país. Confira a lista e os trailers dos principais filmes:

JANEIRO

Dia 7

"Além da Vida", de Clint Eastwood

"Enrolados", de Nathan Greno
Dia 14

"O Mágico", de Sylvian Chomet

"O Turista", de Florian Henckel von Donnersmark

Dia 21

“Bravura Indômita”, dos Irmãos Coen

"Zé Colmeia", de Eric Brevig

"Tio Boonmee, que Pode Recordar Suas Vidas Passadas", de Apichatpong Weerasethakul - ganhador da Palma de Ouro no Festival de Cannes

Dia 28

"Um Lugar Qualquer", de Sofia Coppola – vencedor do Leão de Ouro no Festival de Veneza

"Biutiful", de Alejandro González Iñárritu – forte concorrente aos prêmios em língua estrangeira

FEVEREIRO

Dia 4

"O Discurso do Rei", de Tom Hooper – líder de indicações para o Globo de Ouro com 7 indicações

Dia 11

"Cisne Negro", de Darren Aronofsky – líder de indicações ao prêmio Critics’ Choice com 11 indicações e considerado um dos favoritos ao Oscar

"O Vencedor", de David O. Russell

Dia 18

"Rabbit Hole", de John Cameron Mitchell
"O Besouro Verde", de Michel Gondry

Dia 25

"Bruna Surfistinha", de Marcus Baldini
MARÇO

Dia 4

"Raul Seixas: o Início, o Fim e o Meio", de Walter Carvalho

"Lope", de Andrucha Waddington

Dia 11

"Família Vende Tudo", de Alain Fresnot

Dia 25

"Sucker Punch Mundo Surreal", de Zack Snyder

"The Tempest", de Julie Taymor

"VIPs", de Toniko Melo

ABRIL

Dia 8

"Fúria sobre Rodas", de Patrick Lussier

"Rio", de Carlos Saldanha

Dia 15

“Pânico 4”, de Wes Craven

Dia 29

"Thor 3D", de Kenneth Branagh

MAIO

Dia 6

"Velozes e Furiosos 5"
"Piratas do Caribe 4", de Rob Marshall

Dia 27

"Se Beber, Não Case! Parte 2", de Todd Phillips

“Kung Fu Panda 2”, de Jennifer Yuh Nelson

JUNHO

Dia 3

"X-Men - First Class", de Matthew Vaughn

Dia 17

"Lanterna Verde", de Martin Campbell

JULHO

Dia 1

"Transformers: Dark of the moon", de Michael Bay
Dia 15

"Harry Potter e as Relíquias da Morte - Parte 2", de D. Yates

Dia 22

"Assalto ao Banco Central", de Marcos Paulo

Dia 29

"Captain America: The First Avenger (3D)", de Joe Johnston

AGOSTO

"Os Smurfs" de Raja Gosnell

SETEMBRO

Dia 2

"War Horse", de Steven Spielberg

OUTUBRO

Dia 7

"Midnight in Paris", de Woody Allen
"Johnny English Reborn", de Oliver Parker

NOVEMBRO

Dia 18

"A Saga Crepúsculo - Amanhecer - Parte 1", de Bill Condon

DEZEMBRO

Dia 9

"Gato de Botas"
Dia 16

"Sherlock Holmes 2", de Guy Ritchie

Dia 29

"Missão impossível 4", de Brad Bird

Irreversível (2002)

2011-01-01T09:52:00.000-08:00

Após um período sem atualizações no site voltaremos com nossas atividades nromalmente com mais atualizações frequentes.

Irreversível não é um filme popular, nem tem a intenção de ser. É um filme forte e que não hesita de mostrar nada ao espectador. E é uma produção que vai ficar na sua mente por um bom tempo e te emocionar. E essa é exatamente a intenção do diretor Gaspar Noé.

A trama de Irreversível é basicamente simples. Um homem busca vingança e mata o homem que estuprou e matou a sua mulher. Poderia ser uma história simplória, se não fosse por alguns aspectos. A história se desenrola de trás para frente. Logo no começo da produção, aparecem os créditos, com os nomes invertidos. Depois acompanhamos a vingança dos amigos Pierre e Marcus, respectivamente ex e atual namorado de Alex, mulher morta e estuprada. Podemos notar o total desequilíbrio e loucura de Marcus, que aparentemente é algo inexplicável para o espectador. Porém, a medida que sua história é desvendada entendemos completamente a sua reação. Ao final do filme, que termina de maneira graciosa e pacífica, lamentamos que o assassinato e estupro de Alex tenha interrompido uma história tão bonita que estaria por vir com seu namorado Marcus.

Gaspar Noé não poupa nada do espectador. O diretor não hesita em mostrar as agressões de Marcus ao estuprador e de mostrar 15 minutos de um estupro absolutamente cruel. Assim, o contraste com a felicidade vivida pelos protagonistas se torna ainda mais profundo, o que realça seu efeito. No começo do filme, quando ocorrem os momentos de maior tensão, a câmera, colocado na mão, se move radicalmente, sendo muitas vezes difícil até mesmo de enxergar o que está acontecendo. Quando o filme começa a acalmar, os planos de câmera se tornam mais sutis e cuidadosos. O mesmo acontece com a iluminação da cena. As atuações de Monica Belucci e Vincent Cassel são excelentes e trazem toda a veracidade que o filme merece.

Irreversível pode ser considerado um verdadeiro ensaio da natureza humana. Gaspar nos mostra todos os sentimentos que a vida pode oferecer e que são suscetíveis a acometer qualquer um de nós. Com isso, até mesmo a violência e crueldade presentes na trama cumprem seu papel dentro do filme. Realmente inesquecível e uma aula de cinema.

Confira o trailer:

A brilhante história de Mark Zuckerberg

2010-12-15T05:54:00.000-08:00

Ontem assisti ao mais novo lançamento do diretor David Fincher (Clube da Luta, Se7en): A Rede Social. Confesso que entre tantas opções ruins de filmes em exibição no momento, fiquei com receio de assistir ao longa mesmo depois de ter lido boas críticas a respeito do mesmo.

Meu medo de ter perdido meu dinheiro (tal como as duas horas que viriam pela frente) foram embora logo no início da exibição. A história do jovem prodígio Mark Zuckerberg surpreende, e é impressionante assistir como o estudante da universidade de Harvard conseguiu em tão pouco tempo criar a maior rede social do mundo: o Facebook.

Mesmo já tendo declarado publicamente que o filme não condiz com a realidade dos fatos, Zuckerberg não tem do que reclamar. Além da publicidade gratuita que o longa faz para o site, “A rede Social” ainda pode se destacar no Oscar do ano que vem. Fato comprovado levando em consideração as 6 indicações ao Globo de Ouro de 2011 e por ter sido eleito o melhor filme do ano pelas associações de críticos de Los Angeles e Nova York.

Se você ainda não assistiu, vale muito a pena dar uma conferida nesse filme.

Linha de Passe

2010-10-24T08:29:00.000-07:00

Linha de Passe é um filme brasileiro de 2008 dirigido por Walter Salles e Daniela Thomas. Assim como acontece em outras produções do diretor como Terra Estrangeira e Central do Brasil, em Linha de Passe é retratada novamente uma temática muito próxima da realidade do brasileiro comum. Não há qualquer tipo de tentativa de mitificação ou romantização, nem de uma dramatização exagerada de uma determinada situação ou personagem. Todos vivem as dificuldades que pessoas reais de uma classe social mais baixa poderiam viver. Talvez esse seja o maior encanto desse filme. Um filme focado mais do que tudo em seus personagens.

Acompanhamos durante a trama a história de uma família paulistana de classe baixa composta por uma mulher grávida e seus quatro filhos que buscam incessantemente correrem atrás de seus sonhos para poderem ter um futuro melhor. Do início ao fim acompanhamos suas trajetórias e torcemos para que todos tenham um final feliz. Não há a presença de uma pai ou de uma figura masculina, o que afeta especialmente o caçula da família, Reginaldo. O personagem que Kaíque Jesus Santos interpreta com grande intensidade, busca no sonho de se tornar motorista uma maneira de tentar reencontrar seu pai, já que não se sente completamente bem no convívio com a mãe e os meio-irmãos. Para isso não hesita em passar horas até mesmo de madrugada andando em ônibus pela cidade inteira sem a preocupação de agradar ninguém.

João Baldasseri é Dênis, filho mais velho que tem que cuidar de um filho gerado acidentalmente que vive com a mãe. Para sustentá-lo, o rapaz de caráter duvidoso faz de tudo para conseguir dinheiro, mesmo que com métodos não tão honestos assim. Dinho, vivido por José Geraldo Rodrigues, trabalha em um posto de gasolina e enxerga em sua fé uma oportunidade de se sentir melhor e de acreditar em um mundo mais justo. Para comprovar isso, ele dispensa até mesmo o dinheiro oferecido pelo pastor de sua igreja, apesar de seus problemas financeiros. José é autêntico e seu personagem não hesita em chamar a atenção e justificar na falta de fé da mãe a ocorrência de tantas “desgraças”. A religião é retratada no filme de maneira respeitosa (apesar do padre não se mostrar tão respeitoso assim em alguns momentos com seus fiéis) como uma manifestação popular que consegue aproximar os mais variados tipos de pessoas.

Nesse mesmo patamar está o futebol. Na montagem do filme, os diretores equiparam as duas atividades às mãos erguidas ao céu pelos personagens. Vinicius de Oliveira leva a seu personagem Dario grande naturalidade e insegurança típica de um adolescente, especialmente ao seu futuro: ele pretende ser um jogador de futebol, mas já está com 18 anos e sem clube. Para isso, ele participa constantemente de peneiras para selecionar jogadores, mas também sente falta de uma ajuda financeira (a falta de dinheiro é um problema recorrente para todos) para levá-lo a um time. Mas assim, como a inconstante carreira de jogador, ele também passa por maus bocados, como na ocasião em que chega drogado depois de uma festa.

Por fim, a mãe de todos eles, a empregada doméstica Cleuza, vivida por Sandra Corveloni que foi premiada por sua atuação no Festival de Cannes, é uma mulher guerreira, batalhadora, apaixonada pelos filhos e busca o tempo inteiro o melhor para eles (nem que para isso seja preciso bater em algum deles ou dar uma bronca pesada). Sandra expressa extremamente bem as dificuldades que Cleuza passa a ter que criar quatro filhos e esperar mais um na barriga. Por conta da gravidez também se torna freqüente as queixas e brigas com sua patroa. Mas ela também encontra no futebol sua válvula de escape. Enquanto assiste aos jogos do Corinthians no estádio, ela foge da sua dura realidade e pode finalmente ter um momento de prazer.

O filme em diversos momentos possui um tom bem documental e sabe entrelaçar as histórias de todos os personagens de maneira clara e inteligente. A narrativa retrata a vida de seus personagens de maneira incompleta, não há um final e nem uma grande realização de algum deles durante a produção. Mas sim há a luta incessante em busca de um sonho e de uma vida mais digna, com os mesmos elementos presentes na vida real de qualquer pessoa. E é essa espontaneidade e essa simplicidade que faz com que Linha de Passe seja um filme belíssimo de ser assistido.

Confira o trailer:

O Segredo de seus Olhos

2010-10-19T13:23:00.000-07:00

O Segredo de Seus Olhos é um filme argentino de 2009, vencedor do Oscar de melhor filme estrangeiro. E não é pra menos. O longa não possui grandes momentos complexos e cheios de ação, mas impressiona pela simplicidade e intensidade dos sentimentos que envolvem os personagens. A trama conta a história de Benjamin Esposito (Ricardo Darin), oficial de justiça que decide escrever um romance sobre um estupro seguido de assassinato ocorrido há 25 anos. Esposito atuou na solução do crime, mas não conseguiu prender o acusado e agora busca reviver o passado para solucionar o crime. Ao mesmo tempo, ele descobre estar apaixonado por Irene Menéndez Hastings (Soledad Villamil), que atuou com ele no caso, mas que já é casada e com filhos.

O grande tema da produção é mostrar as relações e arrependimentos que envolvem os atos e memórias do passado. A aposentadoria e a solidão dominam a vida de Esposito que sente incompleto e também percebe que deixou seus sentimentos mais verdadeiros para trás passando a conviver com um arrependimento perturbador e continuamente. Assim, ele procura reviver o passado, por mais que seja doloroso e impossível de ser modificado, como a única forma de enxergar algum tipo de futuro. Para isso, ele volta a se relacionar com os antigos personagens de sua vida como Ricardo Morales (Pablo Rago), ex-marido da mulher assassinada, e Irene, em busca de seu amor. O que torna a produção ainda mais interessante é o fato de se alternar momentos de seu presente com todas as mágoas mais marcantes que explicam seu passado até que consigamos entender Esposito por completo. E como seu amigo Sandoval (Guilhermo Francella) diz em certo momento do filme: “um homem pode mudar de tudo, de família, de mulher, de religião, de Deus. Só não pode mudar de paixão”. A frase, que na verdade remete à paixão do assassino pelo time de futebol do Racing (momento com grande ligação com os brasileiros também), é o grande resumo dos sonhos e anseios de Esposito.

Equipe do filme na cerimônia de entrega do Oscar

Ganha destaque no filme as excelentes atuações de todos os atores. Com grande expressão verbal, especialmente focado no que os olhos podem transmitir. Além das lamentações e arrependimentos, o diretor Juan José Campanella também consegue trazer momentos de romance e até mesmo humor e descontração. Seu trabalho é fortemente baseado na força dos diálogos e das atuações. Mas isso não impede que ocorram situações de ação com uma acirrada perseguição ao assassino dentro do estádio de futebol. Aliás é com essa sequência que Campanella mostra enorme talento com um planos de câmera ágeis e eficientes. Também é comum que haja o foco em uma determinada expressão de um personagem com o fundo desfocado. E isso sem que exista necessariamente aproximação da câmera com o rosto do ator. Além de uma bela montagem com alternância entre o presente e o passado, também merece elogios a boa produção que envelhece de forma convincente o personagem de Darin. Em outras palavras, O Segredo de Seus Olhos é um filme imperdível, capaz de emocionar e mexer fortemente com os espectadores.

Confira o trailer:

CINECLUBE01 Comenta: Tropa de Elite 2

2010-10-14T15:47:00.000-07:00

Tropa de Elite 2 já era um sucesso antes mesmo de estrear. Um dos filmes mais esperados do ano, a produção está sendo exibida em mais de 700 salas em todo o país e em menos de uma semana de exibição já foi assistido por mais de 2,7 milhões de espectadores. Apenas no fim de semana de estréia, o longa já teve cerca de 1,5 milhão de espectadores, recorde histórico no cinema nacional. E todo esse êxito não é para menos. O longa é extremamente perturbador e ao mesmo tempo simbólico por dizer respeito a uma realidade próxima de todos nós, seja dentro ou fora da polícia ou da política. Isso por conta das grandes discussões que estabelecem a respeito de várias temas. Tropa de Elite 2 é para mim um dos melhores filmes nacionais já realizados ao lado de Cidade de Deus e Central do Brasil.

Nessa continuação acompanhamos novamente a trajetória de Capitão Nascimento, 15 anos mais velho e, que após comandar uma operação do BOPE dentro do presídio de Segurança Máxima de Bangu I que acaba com o massacre de vários prisioneiros, acaba sendo exonerado de seu cargo pelo Governador do Rio de Janeiro para agradar aqueles que defendem os direitos humanos. Por outro lado, ele é promovido a subsecretário de Segurança Pública do Estado para agradar a população, que aprovou o massacre dos bandidos. Assim, Nascimento começa a combater o tráfico de maneira mais incisiva, mas não percebe que a corrupção e a ação livre dos bandidos continuam acontecendo de outra forma: um grupo de policiais militares começa a extorquir os habitantes comuns das favelas, em troca da sua “colaboração” e do apoio a políticos que começam a surgir dentro dos próprios órgãos responsáveis pela Segurança. Quando Nascimento descobre a verdade tem que bater de frente com o governo, a PM e pessoas de alto escalão.

O longa começa a partir da velha discussão do primeiro Tropa de Elite: vale a pena combater o tráfico e a violência com mais violência ainda? Desta vez entra no jogo os direitos humanos que tentam modificar a forma com que os policiais do BOPE agem ao enfrentar os bandidos. Nascimento continua com sua posição de que a guerra é a única forma de luta, embora ele não goste de utilizá-la o tempo inteiro. Ao mesmo tempo, vemos o protagonista da vez de uma maneira muito mais humana que anteriormente, reforçada principalmente pelas narrações em off que fortalecem suas convicções. Wagner Moura encarna novamente o Capitão Nascimento com grande intensidade e consegue transmitir uma maturidade muito maior ao seu personagem. Seu personagem é muito melhor explorado e portanto passa a ter nesse filme uma profundidade muito maior. Ao mesmo tempo em que exibe ser um sujeito durão e autoritário, também se mostra atrapalhado no contato com o seu filho, que o vê com desconfiança, e tem grandes dificuldades para exprimir seus sentimentos.

Com o decorrer do filme, o diretor José Padilha e o roteirista Bráulio Mantovani nos trazem uma situação onde o combate ao tráfico de drogas não é a principal ação para acabar com a violência. Agora a corrupção atinge os cidadãos diretamente em troca de um voto nas eleições ou através de farsas que possam comprovar as boas ações dos políticos que tentam se reeleger. Ou também de qualquer outra forma de favorecimento individual aos policiais que participam do “sistema”, expressão típica do filme. Nascimento percebe que não é a violência que resolverá todos esses problemas. É algo muito mais profundo sustentado pelos grandes detentores do poder e não por simples traficantes armados. O interesse individual de cada um é tudo o que conta aqui. Os políticos, claro, são os primeiros a serem lembrados nesse aspecto. Nenhum deles se importa com as mortes ou os absurdos que ocorrem embaixo de seus narizes desde que possam continuar com o poder e dinheiro e navegar de iate pelo belo mar carioca. Muitas vezes se omitem ou até mesmo estimulam situações de violência, ditas necessárias por eles para acabar com a violência. Mas com qualquer sinal de mérito são os primeiros a assumir o sucesso e com isso, ganhar o prestígio e a confiança do público. Nem que para isso seja necessário estar numa roda de pagode no meio da favela. Mas eles não são os únicos “vilões” da história. Se agem assim, é porque a população os alimenta. Se uma pessoa se via beneficiada por determinado político, mesmo que com métodos absolutamente desonestos, é nele em quem ela vai votar e o que menos importa é o interesse da sociedade.

Além disso, o filme também critica fortemente a atuação da mídia. Se Fortunato faz um belo discurso teatral contra a violência em seu programa de televisão, fora das câmeras ele é um dos principais articuladores da milícia que corrompe os moradores e colabora para a corrupção. Com os supostos bons resultados da atuação da polícia dentro das favelas, ele se torna um símbolo da luta contra os bandidos e aproveita para se eleger deputado estadual. Em certo momento, também vemos que uma jornalista descobre um grande esquema fraudulento em prol da reeleição do atual governador e acaba sendo assassinada. Seu chefe simplesmente se recusa a publicar qualquer informação sobre o assunto, já que é parceiro do atual governo. Porém, se temos a impressão de que todos estão envolvidos nessa sujeirada toda, Nascimento e também o deputado Fraga aparecem para nos desmentir. Eles se tornam os maiores símbolos de uma briga do bem contra o mal, mesmo que com diferentes métodos. Os dois representam a luta de uma minoria honesta contra uma maioria esmagadora absolutamente interesseira, embora estivessem de diferentes lados no começo da produção. Uma perspectiva pessimista dentro de uma luta desleal. Afinal como disse Nascimento em pronunciamento para os deputados da Assembléia Legislativa do Rio de Janeiro: “Metade dos que estão aqui deveriam estar na cadeia. Ou melhor, metade não. Deve ter aqui no máximo uns 6 ou 7 ficha-limpas”.

Com um roteiro extremamente dinâmico, intenso e focado em um personagem específico, Mantovani e Padilha criticam com grande inteligência e coragem diversos setores da sociedade. Todos os atores estão muito bem em seus papéis com destaques para Irandhir Santos, que interpreta o Deputado Fraga e André Mattos, que vive o deputado Fortunato, extremamente hipócrita, mau-caráter e manipulador. A direção de Padilha também é excelente. Sem a mesma preocupação de mostrar o tempo inteiro os conflitos entre policiais e bandidos, o diretor consegue transmitir grande tensão, mesmo com momentos descontraídos com a preocupação de estimular a reflexão e provocar o espectador.

Afinal, como acabar com o “sistema”? Também somos responsáveis por ele, embora não acreditemos nisso. Infelizmente, todos esses políticos corruptos representam a realidade da população brasileira. Muitos podem ficar indignados, mas fariam exatamente o mesmo que eles fazem se estivessem no poder, o que é extremamente fácil de comprovar em simples ações do dia-a-dia. Mas se tentar uma conscientização da população para um voto pautado nos interesses da sociedade é algo difícil de ser realizado, outra solução, muito mais pontual, é dada pelo próprio Nascimento no mesmo discurso para os deputados: “A PM do Rio tem que acabar”. Uma frase que pode provocar ainda muitas discussões, assim como outras tantas do filme. No começo do longa, é exibida a mensagem: “Apesar das semelhanças com a realidade, esta é apenas uma obra de ficção”. Mas uma ficção muito mais próxima da realidade do que podemos imaginar.

Confira o trailer do filme:

Boa Noite e Boa Sorte

2010-10-10T20:13:00.000-07:00

Boa Noite e Boa Sorte é um filme americano de 2005 que produz uma grande reflexão a respeito do papel da imprensa na época do filme (década de 1950) e também nos dias atuais. O longa conta a história das discussões entre Edward Murrow, o âncora de um programa de grande audiência da CBS, e o senador Joseph McCarthy, responsável pelo macarthismo a conhecida caça aos comunistas durante o contexto da Guerra Fria. A briga começa quando Murrow resolve questionar a demissão de um militar que trabalhava na Aeronáutica acusado de ser um comunista infiltrado nos Estados Unidos. Porém, não há provas que comprovem essa tese e a atitude passa a ser fortemente criticada por Murrow.

O grande trunfo do âncora e de seu programa é abrir os olhos dos telespectadores americanos a um problema grave que poderia acontecer com qualquer pessoas que não concordasse com os métodos utilizados pelo senador. Esse jornalismo passou a exigir um pensamento crítico mais apurado e não simplesmente aceitar o macarthismo de maneira passiva. Outro grande mérito foi o fato de ter sido feita uma acusação a partir de questionamentos e provas concretas, sem que fossem necessárias armações por parte dos jornalistas. Também não havia por parte da CBS nenhuma forma de rabo preso. Seus funcionários não estavam ligados a um determinado partido de oposição ou a um determinado grupo político. Ou seja, foi um trabalho feito com ética e sem que a ideologia de um ou de outro se sobrepusesse ao objetivo maior que era a busca pela verdade e pela justiça. Ao contrário do que acontecia com praticamente todos os veículos de comunicação da época, que viviam com medo de represálias a qualquer tipo de oposição que pudessem fazer ao macarthismo. Obviamente, o trabalho da CBS foi extremamente arriscado. Houve um direito de resposta do senador dentro da própria programação (o que também se mostrou uma atitude louvável da produção) e diversas reclamações e tentativas de desmoralizar o programa. Mas mesmo assim, a postura de Murrow não mudou, o que ocasionou em uma pressão cada vez maior até que McCarthy fosse finalmente obrigado a entregar o seu cargo. A participação dos espectadores também era um ponto muito marcante. As pessoas se envolviam com a discussão e forneciam elementos para a investigação do caso. Parece que havia uma vontade maior de participar das atividades da imprensa.

Quanto a parte técnica do filme, também podemos fazer fortes elogios. A fotografia preta e branca traz um clima mais charmoso e até mais nostálgico da época. Quanto aos cenários não há nenhuma locação externa, tudo se passa dentro dos próprios estúdios da televisão (retratados de modo muito real), o que por um lado nos traz uma familiaridade grande com o local e pelo outro até um certo aprisionamento por na estarmos em nenhum local diferente. David Strathairn está exclente no papel de Murrow, trazendo uma segurança incomum quando é filmado, mas ao mesmo tempo mostrando uma parcela de insegurança fora das câmeras quanto ao resultado de suas falas. O roteiro de George Clooney também é muito eficiente já que outras questões além dos programas também são abordadas para acalmar a tensão existente com o senador. Porém parece faltar um pouco mais da vida pessoal dos personagens fora dos estúdios.

Boa Noite e Boa Sorte pode ser muito bem transferido para a realidade atual. A ausência de vários elementos daquele jornalismo da rede CBS transformaram o jornalismo brasileiro atual em algo muito longe do ideal. Falta ética, comprometimento, inovação, coragem e autonomia para criticar o que esteja acontecendo de errado no país. O envolvimento dos meios de comunicação com os grandes problemas se deve muitas vezes a uma filiação partidária, uma ajuda financeira ou qualquer outro tipo de interesse sujo. A produção é ótima para que essas e outras questões atormentem nossas mentes por um bom tempo.

Confira o trailer:

Tropa de Elite 2

2010-10-08T15:51:00.000-07:00

Estreia hoje nos cinemas do Brasil o tão esperado Tropa de Elite 2. O filme já chega com grande repercussão devido ao sucesso do seu antecessor. Porém, diferentemente do primeiro, que se popularizou devido às cópias piratas e alcançou a premiação máxima com o Urso de Ouro no Festival de Berlim, nessa nova sequência ocorreu um forte esquema de segurança em torno das gravações para que nada vazasse ao público antes da hora. A produção, que teve uma premiere exclusiva no Festival de Paulínia, traz novamente o Capitão Nascimento (Wagner Moura) como protagonista mas que agora não trabalha mais no BOPE e sim como subsecretário na Secretaria de Segurança Pública do Rio de Janeiro.

Se antes, o longa mostrava diretamente as ações do tráfico, agora é desmascarada uma corrupção extremamente séria e poderosa tanto na polícia como nos órgãos políticos do rio que faz com que a violência continue viva em nossa realidade. Agora, também mais focado apenas em Nascimento, o filme também apresenta dilemas pessoais como a relação entre o policial e seu filho. Claro que também não falta muita ação, tiroteio e os velhos bordões. Agora também parece haver a intenção de trazer Nascimento como vítima ou pelo menos em não se tornar um herói com métodos absolutamente desumanos e cruéis (como aconteceu no primeiro). Mas a grande tônica de Tropa de Elite 2 deve ser mesmo a forte crítica aos grandes políticos brasileiros, o que não é comum de ser visto na sétima arte. Em outras palavaras é um programa imperdível para o feriadão.

Números de Tropa de Elite:

- Será exibido em 661 salas em todo o país, número maior do que algumas superproduções americanas

- 11 milhões de brasileiros assistiram à cópia pirata do primeiro longa

- 2,5 milhões prestigiaram a produção nas salas de cinema

- Teve público de 177 mil pessoas apenas no primeiro fim de semana e recebeu mais 321 salas de exibição após isso

Confira o trailer oficial do filme:

Ganhadores Fetival do Rio 2010

2010-10-06T17:10:00.000-07:00

Retirado do site Uol Cinema: http://cinemaemcena.com.br/Premiacao_Detalhe.aspx?ID_PREMIO=18&ID_PREMIACAO=1578

Marcelo Rocha, golpista que usou mais de 15 identidades falsas para enganar o alto escalão brasileiro, se fez passar por herdeiro de uma companhia aérea e coroou seu sucesso de ludibriador no programa de televisão de Amaury Jr. Esse é VIPs, longa-metragem de Toniko Melo, o grande vencedor do Festival do Rio 2010.

Além de levar para casa o Troféu Redentor de Melhor Longa-Metragem de Ficção, arrematou ainda os prêmios de Melhor Ator para Wagner Moura, Melhor Ator Coadjuvante para Jorge D''Elia e Melhor Atriz Coadjuvante para Gisele Fróes, contabilizando três dos quatro prêmios da categoria. Mas VIPs, que estréia no circuito comercial em 25 de março do próximo ano, não foi o único filme a levar para casa mais de um prêmio.

O documentário Diário de Uma Busca, longa de estreia de Flavia Castro, foi homenageado duplamente: além do Troféu Redentor de Melhor Longa-Metragem Documentário, foi eleito como melhor filme pelo júri da Fipresci, composto pelos críticos Wolfgang Hamdorf, Neusa Barbosa e Patricia Rebello. Diário de Uma Busca trata de um tema muito pessoal para a diretora, que decidiu desvendar o desaparecimento de seu pai, militante e exilado político morto em circunstâncias suspeitas na década de 80. Flávia também resgatou registros e memórias do período vivido com a família no exílio para compor a obra premiada.

Um filme sobre outro tipo de desaparecimento também foi premiado no festival. O Troféu Redentor de Melhor Curta-Metragem foi para Vento, de Marcio Salem, que fala sobre uma pequena cidadezinha isolada no Brasil que fica sem vento.

Confira a lista completa dos premiados abaixo:
Juri Oficial

Gustavo Dahl, Bruna Lombardi, Jorge Sanchez e Léo Monteiro de Barros

Curta-metragem
Curta-metragem - voto popular

Um outro ensaio, de Natara Ney
Curta-metragem - júri

Vento, de Marcio Salem

Prêmio especial do júri
Geral, de Anna Azevedo

Longa-metragem

Melhor atriz coadjuvante
Gisele Fróes, Vips
Melhor ator coadjuvante
Jorge D´Elia, Vips
Melhor roteiro
Marcelo Laffitte, Elvis & Madonna
Melhor montagem (edição)
Boca do lixo, por Vânia Debs
Melhor fotografia
Boca do lixo, por Adrian Terrido
Melhor documentário - voto popular
Positivas, de Susanna Lira
Melhor documentário - júri
Diário de uma busca, de Flávia Castro
Melhor atriz
Karine Teles, por Riscado
Melhor ator
Wagner Moura, por Vips
Melhor direção
Charly Braun, por Além da estrada
Melhor ficção - voto popular
O senhor do labirinto, de Geraldo Motta e Gisella de Mello
Melhor ficção - júri
Vips, de Toniko Melo

Danny Boyle recebe prêmio, James Cameron é o mais influente do cinema e Star Wars está de volta

2010-09-29T18:56:00.000-07:00

Danny Boyle, diretor de filmes como “A Praia” e o premiado “Quem Quer ser um Milionário?” receberá o prêmio máximo do BFI (Instituto Britânico de Cinema) por sua contribuição à cultura cinematográfica. Outros grandes nomes como Martin Scorsese, Elisabeth Taylor e Clint Eastwood também já receberam o prêmio. A mais recente produção de Boyle, “127 Horas” encerrará o Festival do BFI, que acontecerá entre os dias 13 e 28 de outubro.

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O jornal britânico The Guardian publicou uma lista com as 100 pessoas mais influentes do cinema mundial atual. O primeiro lugar foi para o diretor de Avatar e Titanic, James Cameron. Atrás dele, aparecem nomes de peso como Steven Spielberg, Leonardo DiCaprio e Quentin Tarantino. Também aparecem nomes desconhecidos do grande público, entre eles produtores e executivos de estúdio.

Confira os 20 primeiros da lista:

1. James Cameron (diretor)

2. Steven Spielberg (diretor)

3. Leonardo DiCaprio (ator)

4. John Lasseter (diretor)

5. Brad Pitt (ator e produtor)

6. Christopher Nolan (diretor)

7. Scott Rudin (produtor)

8. Quentin Tarantino (diretor)

9. George Clooney (ator e diretor)

10. Ed Vaizey (ministro britânico)

11. Johnny Depp (ator e produtor)

12. Tim Bevan e Eric Fellner (produtores)

13. J.J. Abrams (diretor e produtor)

14. Alan F. Horn e Jeff Robinov (executivos de estúdio)

15. Ridley Scott (diretor)

16. Tom Rothman e Jim Gianopulos (executivos de estúdio)

17. Tim Burton (diretor)

18. Angelina Jolie (atriz)

19. Brad Grey (executivo de estúdio)

20. Martin Scorsese (diretor)
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A moda dos lançamentos em filme 3D vem crescendo muito e vem atingindo até mesmo filmes que já não estão mais em cartaz. Após a confirmação da volta de Avatar, foi confirmado o relançamento da série Star Wars na nova tecnologia. O primeiro episódio da saga está previsto para voltar as telonas em 2012

E você o que acha das notícias? Concorda? Comente!

Estreia da Semana e Grandes Lançamentos futuros

2010-09-26T18:28:00.000-07:00

Hoje postarei aqui alguns filmes muito esperados pelos espectadores. O Último Exorcismo é a principal estreia dessa última sexta-feira, enquanto Jogos Mortais estreia dia 29 de outubro e Harry Potter fica para o dia 19 de novembro.

O Último Exorcismo:

Jogos Mortais: O Final:

Harry Potter e as Relíquias da Morte:

Festival de Cinema do Rio e Lula, o Filho do Brasil

2010-09-23T15:04:00.000-07:00

Festival do Rio começa hoje a 12ª edição do Festival de Cinema do Rio de Janeiro, talvez o mais reconhecido festival brasileiro do gênero, começa nesta quinta-feira dia 23. Serão exibidos mais de 300 filmes de 60 países em 18 mostras diferentes durante 15 dias. 17 filmes concorrem na mostra principal ao Troféu Redentor. Entre os nomes mais conhecidos internacionalmente estão Sofia Coppola com “Somewhere”, vencedor do Leão de Ouro do Festival de Veneza, Woody Allen com “Você vai conhecer o homem de seus sonhos” e o vencedor da Palma de Ouro no Festival de Cannes com Apichatpong Weerasethakul, que apresenta “Tio Boonmee que Pode Recordar Suas Vidas Passadas”. Outro grande atrativo para o público será a volta de Arnaldo Jabor ao cinema após 24 anos sem atividades na telona: “Suprema Felicidade” será o filme de abertura do Festival. Também haverá uma sessão especial para os filmes brasileiros (Premiere Brasil) e uma para os argentinos. A grande decepção será a ausência de Tropa de Elite 2, que estreará um dia após o fim do festival.

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Lula, o Filho do Brasil foi o filme escolhido por unanimidade por um júri formado por especialistas do cinema para representar o Brasil na disputa por um Oscar de melhor filme estrangeiro em 2011. O filme deixa para trás outros 22 concorrentes que também disputavam uma indicação para o prêmio máximo do cinema que acontecerá dia 27 de fevereiro em Los Angeles. Os 5 indicados para concorrer ao prêmio de melhor filme estrangeiro serão divulgados dia 27 de janeiro. Além de Lula, a produção espanhola Lope também representará nosso país, já que seu diretor Andrucha Waddington é brasileiro. A escolha de Lula, o Filho do Brasil me surpreendeu, já que havia outros fortes concorrentes e também por ser exibido em ano de eleições.

E você o que achou da indicação?

Cidade de Deus

2010-09-20T17:28:00.000-07:00

Cidade de Deus é um filme de 2002, que consagrou Fernando Meirelles como um dos melhores diretores brasileiros. A produção é um triste e realista retrato da sociedade brasileira dentro da favela Cidade de Deus, uma das mais perigosas do Rio de Janeiro. Depois de Cidade de Deus o gênero retratando as favelas passou a ser muito copiado no cinema brasileiro, porém sem o mesmo êxito. A trama conta a história da disputa pelo tráfico de drogas na favela entre Zé Pequeno e Mané Galinha a partir da narração de Buscapé, menino que sonha em ser fotógrafo profissional e sair da vida na favela.

A partir do filme podemos extrair diversas questões que refletem uma realidade escondida de todos nós ou que muitas vezes não queremos enxergar. Nem mesmo, o governo que, em vez de fazer algo para solucionar o problema dos desabrigados, resolve mandar cada vez mais gente para a favela, sem qualquer tipo de melhoria de vida para elas. É assim que Buscapé chega a Cidade de Deus. Seu irmão começa a praticar roubos e a participar do tráfico de drogas. Mas ele acaba morrendo, mesmo destino da maioria que estão nesse meio. Assim, a disputa pelas bocas de fumo da favela começa a se acirrar quando o temido Zé Pequeno resolve tomar o controle do tráfico local. Com a morte de Bené, parceiro de Zé Pequeno e único capaz de controlar as disputas entre as gangues, a guerra dentro de Cidade de Deus entre Cenoura e Mané Galinha contra Zé Pequeno se torna extremamente violenta e não poupa ninguém. Inocentes são executados sem nenhuma forma de piedade e os moradores passam a se dividir por vingança ou proteção ao grupo oposto. As relações construídas entre os traficantes e seus subordinados é baseada no medo, na vingança e na ameaça, onde apenas um olhar torto é capaz de desencadear uma briga feia. Seja na guerra ou na paz, o tráfico governa uma favela onde é impossível a entrada de alguém de fora. Mas que muitas vezes é sustentado pela classe média e rica da zona Sul, que deseja apenas fumar um baseado inocente.

Meirelles também não hesita em mostrar como é realizada a venda de drogas e armas e de falar sobre a corrupção policial, que permite com que os bandidos continuem agindo livremente e impede um combate efetivo aos traficantes. A imprensa também continua tratando o assunto de longe, sem grandes envolvimentos ou com uma postura sempre sensacionalista de chocar o seu público. Buscapé é uma exceção no meio em que vive. Sem querer se envolver no meio que matou o seu irmão e sem coragem para praticar assaltos, Buscapé sonha em se tornar fotógrafo, apesar de todas as dificuldades impostas pelo local onde vive, como o próprio preconceito que sofre por ser um morador de favela. Mas ao contrário dele, milhares de outras crianças vivem sem perspectiva de vida. Essas fumam, roubam, matam, convivem e participam constantemente do tráfico e da bandidagem, possuindo um poder muito maior do que os grandes traficantes. E, com isso, garantirão o fortalecimento do tráfico e a certeza de que essa é uma guerra ainda muito longe do fim.

A estrutura da narrativa também é muito interessante. O filme é contado através da narração de Buscapé e dividido entre as histórias dos principais personagens, como se fossem capítulos. Assim, podemos acompanhar os diferentes pontos de vistas dos personagens em um mesmo acontecimento. Com essa estrutura não-linear, o excelente roteiro de Bráulio Mantovani permite traçar um perfil detalhado e entender cada um dos personagens. A direção de Fernando Meirelles e a edição são extremamente dinâmicas e não cansativas, já que são utilizados cortes rápidos, congelamento de cenas e planos de câmera eficientes para sinalizar uma passagem de tempo, um combate entre duas gangues ou com a polícia ou para simplesmente aumentar a tensão em uma cena. Também merecem destaque as ótimas atuações dos atores estreantes no cinema e originários da própria favela. Alexandre Rodrigues, como Buscapé, Leandro Firmino da Hora, como Zé Pequeno e Phellipe Haagensen, como Bené interpretam seus personagens com grande naturalidade, o que confere um aspecto de veracidade ainda maior à produção. A trilha sonora e adequada a cada um dos momentos do filme e bem variada como “Metamorfose Ambulante” de Raul Seixas, “Nem Vem que Não Tem” de Carlos Imperial e “Kung Fu Fighting” de Carl Douglas.

Muitas pessoas podem alegar que Cidade de Deus é muito violento. Mas por trás da violência e de tantos assassinatos, existe uma verdadeira discussão sobre os diversos problemas sociais que nosso país enfrenta até hoje e fornece um retrato da nossa sociedade. É um filme extremamente inteligente, perfeito do começo ao fim e passível de uma longa reflexão após sua exibição.

Confira o trailer:

A Fita Branca e O Segredo de Seus Olhos

2010-09-17T19:49:00.000-07:00

Hoje darei duas boas sugestões de filmes estrangeiros aqui no blog, já que é sempre bom procurar novas opções de produções fora do país do Tio Sam. O primeiro é o indicado ao Oscar de melhor filme estrangeiro de 2010, Fita Branca, de Michael Haneke e o segundo é o filme vencedor do mesmo prêmio, O Segredo de Seus Olhos, de Juan José Campanella,

Confira os trailers:

Todos os Homens do Presidente

2010-09-14T19:20:00.000-07:00

Todos os Homens do Presidente, filme de 1976 ganhador de quatro Oscars, conta em detalhes os bastidores da cobertura do caso Watergate, que resultou na renúncia do presidente Richard Nixon. Os repórteres Carl Bernstein e Bob Woodward, do Washington Post ainda não se conhecem quando estoura o escândalo da prisão de cinco invasores na sede do Partido Democrata com câmeras e microfones. Primeiramente, o acontecimento não apresenta ligações com a eleição de Nixon, mas os dois não se convencem disso e começam a investigar o caso.

Com isso, os jornalistas elaboram uma lista com todas as fontes prováveis de terem algum tipo de ligação com o caso e passam diversas noites em claro visitando e questionando diversas fontes prováveis de terem algum tipo de ligação com a invasão. Eles também descobrem uma fonte misteriosa, o Garganta Profunda, que garante que o caso é ainda mais grave do que imaginam, mas que não revela tudo o que sabe. Os dois não mostram medo de fazer perguntas muito diretas até obter as respostas sinceras de seus entrevistados. Se algumas entrevistas exigem calma e possuem a duração de horas, dentro da redação o trabalho se mostra diferente. Tudo acontece muito rápido e há pouco espaço para hesitações ou erros. Ao mesmo tempo, Carl e Bob tentam convencer seu editor-chefe, um homem exigente e que não acredita em tudo o que vê e ouve, a conseguir espaço para suas reportagens. Isso faz com que o trabalho dos dois jornalistas se torne ainda mais intenso e sacrificante: afinal seu editor não admite fatos sem provas concretas e nem espaço para qualquer tipo de erro. Uma reportagem que os dois imaginavam boa para a capa da edição acaba nas páginas internas, já que seu editor exige “mais fatos”.

É possível perceber também que os perfis de Carl e Bob se completam: a experiência do primeiro compensa a falta de prática do segundo. Por outro lado, Bob mostra uma organização e uma preocupação com os fatos muito maior do que Carl. Talvez esse tenha sido o grande motivo pelo qual os repórteres tiveram tanto mérito na cobertura do caso. Afinal, ambos praticavam o jornalismo mais honesto possível, com uma grande preocupação em checar as fontes e a veracidade do que elas diziam para não incorrerem em mentiras. Ou seja, um jornalismo raro de ser realizado hoje. O caso Watergate também representa um tipo de reportagem que está praticamente em extinção nos jornais, resultado da superficialidade e imediatismo exigido pelos veículos: A grande-reportagem, em que repórteres passavam meses se dedicando a um único assunto e assim podiam se aprofundar na cobertura de um caso que podia render vários dias de matérias. Enfim, o filme, que também conta com as ótimas atuações Robert Redford e Dustin Hoffman, é mais que indicado para todos que se interessam pela comunicação ou mesmo que tenham curiosidade de saber mais sobre os bastidores de um jornal.

Confira o trailer:

Ganhadores Festival de Veneza de 2010

2010-09-12T19:15:00.000-07:00

Retirado do site Uol Cinema: http://cinema.uol.com.br/veneza/ultimas-noticias/2010/09/11/veneza-premia-o-cinema-independente-dos-eua-e-da-o-leao-de-ouro-a-sofia-coppola.jhtm

Sofia Coppola é premiada com o Leão de Ouro pelo filme "Somewhere", no Festival de Veneza

PREMIAÇÃO DO FESTIVAL DE VENEZA 2010 Afinal, foi uma grande operação entre amigos e que beneficiou os norte-americanos que predominavam na competição do Festival em Veneza, com seis concorrentes. O júri presidido pelo diretor Quentin Tarantino premiou Sofia Coppola, vencedora do Leão de Ouro pelo drama “Somewhere” e até inventou um segundo Leão de Ouro especial, este pelo conjunto de sua obra, para outro norte-americano, o veterano Monte Hellman, que aqui concorreu com o experimental “Road to Nowhere”- um filme tão inventivo e complexo que mesmo seus atores confessaram não tê-lo entendido na coletiva de imprensa.

A premiação para estes dois, amigos de Tarantino e, certamente, representantes da vertente mais independente do cinema dos EUA, desmentiu os boatos que circularam insistentemente hoje no Lido, sede do festival, que davam conta de que as principais premiações iriam na direção do espanhol Álex de la Iglesia – que no final, venceu mesmo dois prêmios importantes, os de melhor direção e roteiro, com sua frenética tragicomédia política “Balada Triste de Trompeta” – e do russo “Silent Souls”, de Aleksei Fedorchenko, que afinal teve que contentar-se com o troféu de melhor contribuição técnica, atribuída à fotografia, assinada por Mikhail Krichman.
Outro boato que afinal se confirmou foi a premiação como melhor ator para mais um norte-americano, Vincent Gallo, como protagonista do drama polonês (mas também com dinheiro norueguês, húngaro e irlandês) “Essential Killing”, do veterano Jerzy Skolimowski. O cineasta polonês arrebatou também outro prêmio importantíssimo, o Especial do Júri.

Como Gallo, alegadamente, não frequenta tapetes vermelhos, foi Skolimowski quem subiu ao palco da Sala Grande, no Palazzo del Cinema, para fazer o agradecimento, que foi bem irônico: “Tenho a certeza de que Vincent vai agradecer a seu diretor, roteirista e ao produtor que foi procurar o dinheiro para pagar seu salário”. O diretor falava, claro, de si mesmo, já que desempenhou todas essas funções para concretizar o drama, que retrata a situação-limite de um afegão (Gallo), fugitivo de uma prisão militar clandestina em plena Europa.

Novas atrizes

Foi uma grande surpresa também a premiação da jovem atriz francesa Ariane Labed com a Copa Volpi de melhor interpretação feminina, pelo filme grego “Attenberg”, de Athina Rachel Tsangari. Muita gente apostava na cubana Yahima Torres, protagonista do forte drama francês “Venus Noire”, de Abdellatif Kechiche, ou mesmo em Alba Rohrwacher, do concorrente italiano “La solitudine dei numeri primi”, de Saverio Costanzo. Nada disso. O júri preferiu a jovem Ariane que, segundo o jurado Gabriele Salvatores, “carrega nas costas boa parte do peso do filme”. Na história, Ariane interpreta uma jovem de 23 anos que se divide entre assumir a própria sexualidade (ela ainda é virgem) e a doença fatal de seu pai, numa Grécia contemporânea e cética em relação ao seu passado histórico.

Outra jovem atriz premiada foi Mila Kunis, coadjuvante do drama norte-americano “Black Swan”, de Darren Aronofsky, que abriu o festival, no último dia 1º. Foi dado a Mila o Prêmio Marcello Mastroianni, dedicado a um intérprete novato (não necessariamente estreante, como é o caso de Mila, uma ucraniana de 27 anos que tem feito sucesso no cinema dos EUA, em filmes como a aventura de ação “O Livro de Eli”, ao lado de Denzel Washington). Ela mandou seu agradecimento por um filmete, que foi exibido na premiação.

Muita gente, portanto, saiu da festa do Lido de mãos vazias. Apesar das apostas de parte da crítica, isto aconteceu com os concorrentes orientais, como os até aqui bem-cotados chineses “Detective Dee and the Mystery of Phantom Flame”, de Tsui Hark, e o político “The Ditch”, de Wang Bing. Os franceses (como o citado “Venus Noire” e a elogiada comédia “Potiche”, de François Ozon), e os quatro concorrentes italianos (“La Pecora Nera”, “Noi Credevamo”, “La Passione” e o citado drama de Saverio Costanzo) foram solenemente esnobados. O mesmo aconteceu com o único latino-americano da seleção principal, o sólido drama político chileno “Post Mortem”, de Pablo Larraín (diretor de “Tony Manero”).

Confira o trailer de "Somewhere":

Gen Pés Descalços

2010-09-09T19:55:00.000-07:00

Gen, Pés Descalços é uma animação japonesa, baseado na autobiografia de Keiji Nakasawa que virou mangá e depois um filme de animação em 1983. O filme conta o drama do menino Gen que vê todos os seus parentes e amigos serem mortos com a explosão da bomba atômica em Nagazaki, que decretou o fim da Segunda Guerra Mundial. A produção é chocante mesmo. Assista abaixo a um trecho do filme:

Retirado do blog Diário de Bordo do site Cinema em Cena: http://www.cinemaemcena.com.br/pv/BlogPablo/

Filmes Brasileiros inscritos para o Oscar 2011

2010-09-08T15:44:00.000-07:00

Retirado so site Cineclick do Portal Uol Cinema ( http://cinema.cineclick.uol.com.br/noticia/carregar/titulo/oscar-2011-conheca-os-filmes-brasileiros-inscritos-para-selecao/id/27875/ )

OSCAR 2011:Conheça os filmes brasileiros inscritos para seleção

Da Redação

Nesta quarta-feira (8/9), o Ministério da Cultura divulgou os 23 filmes de longa-metragem inscritos para concorrer a uma vaga na categoria Melhor Filme de Língua Estrangeira na 83ª edição do Oscar, cerimônia que será realizada em 2011.

Os interessados mandaram material até o dia 30 de agosto de 2010 para Brasília, onde a Comissão Especial de Seleção analisou as produções. O anúncio do filme escolhido para representar o Brasil será feito no dia 23 de setembro.

A Comissão de Seleção será composta por membros indicados pelo Gabinete do Ministério da Cultura, pela Agência Nacional de Cinema do Brasil, pela Secretaria do Audiovisual do Ministério da Cultura e pela Sociedade Civil Organizada, representada pela Academia Brasileira de Cinema.

As cinco produções selecionadas para concorrer ao Oscar de Melhor Filme de Língua Estrangeira deverão ser anunciadas somente em 25 de janeiro do próximo ano.

Confira abaixo a lista dos selecionados:

1.As Melhores Coisas do Mundo

2.A Suprema Felicidade

3.Antes que o Mundo Acabe

4.Bróder

5.Carregadoras de Sonhos

6.Cabeça a Prêmio

7.5X Favela - Agora Por Nós Mesmos

8.Chico Xavier

9.É Proibido Fumar

10.Em Teu Nome

11.Hotel Atlântico

12.Lula, o Filho do Brasil

13.Nosso Lar

14.Olhos Azuis

15.Ouro Negro

16.O Bem Amado

17.O Grão

18.Os Inquilinos

19.Os Famosos e os Duendes da Morte

20.Quincas Berro D’água

21.Reflexões de um Liquidificador

22.Sonhos Roubados

23.Utopia e Barbárie

Minha aposta de filme brasileiro para concorrer ao Oscar vai para "Broder" de Jeferson De, exibido no festival Panorama do Festival de Berlim e que foi destaque nos Festivais de Cinema de Gramado e de Paulínia, além de receber grandes elogios por parte da crítica. Em qual dessas produções você apostaria?

Festival de Cinema de Veneza de 2010

2010-09-05T20:23:00.000-07:00

Começou dia primeiro de setembro, a 67ª edição do Festival de Cinema de Veneza que acontece desde 1932, e é o mais antigo e um dos mais importantes da sétima arte. 24 filmes de 11 países do mundo concorrem ao prêmio principal Leão de Ouro na mostra competitiva. O melhor diretor recebe o Leão de Prata e o ainda há o Leão de Prata – Grande Prêmio do Júri. Também são exibidos filmes fora da mostra competitiva, na seção Horizontes (com prêmios próprios e filmes de diferentes formatos) e no Contracampo Italiano, destinada a produções do próprio país.

Nesta edição o filme de abertura foi Black Swan do americano Barren Aronofsky com Natalie Portman, Mila Kunis e Vincent Cassel. Nomes consagrados como Dustin Hoffman, Benicio Del Toro e Winona Ryder são alguns famosos que passarão pelo tapete vermelho do festival e outros como Martin Scorsese (com um documentário sobre o ótimo diretor Elia Kasan) e Robert Rodriguez exibirão seus filmes fora da mostra oficial. O Festival abre espaço para diversos diretores estreantes, dando destaque dessa vez a produção latino-americana. O Brasil estará representado na seção horizontes com o curta “O Mundo é Belo” de Luis Pretti e “Lope” de Andrucha Waddington.

O júri do festival que elegerá os melhores da mostra oficial conta com cineastas como o americano Quentin Tarantino como presidente do júri (e que recebeu um jantar em sua homenagem antes da estréia da cerimônia), o mexicano Guillermo Arriaga e o italiano Gabriele Salvatores. A grande polêmica do júri esteve na ausência do diretor iraniano Jafar Pahani, impedido de comparecer ao Festival por determinação do governo iraniano. No total, serão exibidas 83 produções, sendo que 79 estrearão oficialmente na cidade italiana. O orçamento do Festival é de 12 milhões de euros.

Mais sobre o Festival no Uol Cinema: http://cinema.uol.com.br/veneza/2010/

Casablanca (1942)

2010-09-03T18:58:00.000-07:00

Pedimos desculpas a todos os leitores pela falta de postagens por mais de um mês por conta de diversos problemas e principalmente falta de tempo. Pedimos a compreensão de todos e esperamos que voltem a acompanhar os posts que agora voltarão normalmente.

Casablanca, filme do diretor Michael Curtiz de 1942, é um dos grandes clássicos do cinema, sempre sendo citado entre os melhores filmes da história. O filme conta a história de Rick, dono de um conhecido bar em Casablanca no Marrocos, local que recebe inúmeros refugiados da Europa como rota de fuga da Segunda Guerra Mundial com destino aos EUA. Rick tem diversos problemas com a venda de passes livres para os Estados Unidos, mas sua dor de cabeça começa mesmo quando seu grande amor do passado, Ilsa, visita seu local de trabalho.

O grande mérito da produção é retratar uma história de conspirações, mentiras, disputas em um cenário conturbado e uma história de amor de modo muito sutil e particular. Sem grandes cenas de ação e de forte impacto visual, a competência do longa é movida pela intensidade dos diálogos e das interpretações dos atores. A construção de Rick, um homem aparentemente descrente de toda forma de relacionamentos afetivos, extremamente sarcástico e objetivo, é modificada lentamente com a chegada de Ilsa, que junto com seu marido também mostra ser durona, mas não se mantém assim durante a história. Por mais que os dois tentem esconder seus passados e sentimentos não conseguem ao se encontrarem. A produção é montada de forma muito inteligente: todo o cenário e a vida de Rick são apresentados para que enfim a trama principal se desenvolva. O flashback que retoma toda a história de amor dos personagens principais é muito eficaz e emocionante. E as atuações de Humphrey Bogart e Ingrid Bergman são excelentes. Os dois estão muito a vontade em cena. É claro que outros temas como a afirmação do poder americano durante a Guerra e da ilusão de terra perfeita para todos também estão fortemente presentes.

É difícil imaginar que Casablanca teve tamanho êxito sabendo o que ocorreu em seus bastidores. A produção foi projetada para ser secundária e teve seu roteiro reformulado diversas vezes durante as filmagens. Os atores também se preocuparam em finalizar rapidamente seus trabalhos para poderem se dedicar a outras produções e Michael Curtiz dividiu a direção com diversos outros realizadores e teve um orçamento reduzido. Mas nada foi capaz de derrubar esse maravilhoso filme que ainda será lembrado por muito tempo.

Jack Nicholson em "O Iluminado"

2010-07-26T09:35:00.000-07:00

É muito difícil fazermos isso, mas hoje destacarei uma atuação de um único filme. Para mim a atuação de Jack Nicholson em O Iluminado é uma das melhores representações que eu já vi de um ator no cinema. O personagem de Nicholson, Jack Torrance encarna um escritor fracassado encarregado de cuidar de um hotel abandonado em pleno inverno junto com sua mulher e seu filho. Porém, a medida que o tempo passa, a fama de que o hotel abriga assombrações começa a se tornar real e começa a enlouquecer Jack. E é aí que começa a brilhar a estrela de Nicholson. O ator exibe um terror psicológico incrível. Suas expressões de loucura são totalmente espontâneas e convincentes, suficientes para dar ao filme a tensão esperada por Stanley Kubick. Apenas sua atuação já é um filme de terror a parte, especialmente quando tenta matar sua mulher e seu filho. Porém, ele também consegue ser incrivelmente sarcástico chegando a cantar a música do Três Porquinhos num dos momentos mais nervosos do filme. Tamanha naturalidade que nos dá a impressão de que ele se torna maior do que seus companheiros, apesar de Danny Boyle também ter um ótimo desempenho. Essa perfeição foi alcançada pela repetição incessante da mesma cena, marca característica do diretor. O fato é que Nicholson nos dá medo de uma maneira que poucos (ou nenhum) conseguem fazer e faz com que o filme de Kubrick seja ainda melhor.

Confira alguns vídeos da performance do ator em "O Iluminado":

O Trabalho de um crítico de cinema

2010-07-21T18:12:00.000-07:00

O trabalho de um crítico de cinema não é fácil. Analisar e sintetizar os principais aspectos do filme é uma tarefa demorada e que depende de muitos fatores. No vídeo abaixo o crítico de cinema Pablo Villaça analisa sob um olhar crítico uma cena do filme de Martin Scorsese, Os Bons Companheiros. Confira:

35mm

2010-07-20T17:53:00.000-07:00

Ótima animação. O curta mostra 35 filmes em 2 minutos da forma mais simplificada possível. Consegue identificar todos?

35mm from Pascal Monaco on Vimeo.

A Onda

2010-07-19T18:56:00.000-07:00

A Onda é um filme original de 1981 lançado em formato de média-metragem para um programa de televisão. A história é baseada em fatos reais de uma escola na Califórnia, Estados Unidos, em 1967 e virou livro anos depois. Ano passado a produção foi relançada na Alemanha sob a direção de Dennis Gansel numa versão, para mim, muito mais completa e interessante que a anterior.

Acompanhamos a história do professor Rainer Wenger, responsável por ensinar a seus alunos sobre o tema autocracia. Como forma de explicar de maneira mais convincente sua idéia de que atualmente ainda é possível a imposição de uma ditadura na Alemanha, Wenger propõe um exercício prático aos seus alunos: ele passa a exigir mais disciplina em sala de aula e a partir disso seus alunos criam um movimento (chamado “A Onda”) organizado que com o tempo passa a ter símbolos, roupas e até uma saudação próprias. Mas, com o tempo, o grupo cresce e se une de tal forma que essa situação sai completamente do controle do professor. Os alunos passam a pichar o símbolo do movimento nas ruas, se envolvem em brigas e outras formas de violência, estigmatizam e excluem todos aqueles que não participam do “A Onda”. Porém, todos os envolvidos com o movimento se sentem muito melhores do que antes. A sensação de união, de solidariedade e respeito as diferenças, onde ninguém é superior a ninguém são os sentimentos mais ressaltados por eles. Tudo o que realmente importa passa a ser o grupo, com cada um perdendo suas individualidades e ainda por cima com a sensação de superioridade sobre aqueles que não fazem parte do grupo.

Diversas relações entre amigos e familiares começam a se distanciar com o comprometimento cada vez maior com “A Onda”. Tudo isso é comprovado com muita calma através de um roteiro que procura explorar e valorizar cada uma dessas ações de degradação humana. Com isso, diversos perfis começam a se destacar, garantindo ainda mais força a mensagem final do filme. O perturbado Tim ameaça com armas pessoas que não fazem parte do “A Onda”, foge de casa e vai pedir ajuda na casa de seu professor e grande “chefe” do grupo. O professor Wenger briga com sua mulher uma vez que ela não entende o porquê do movimento, e passa a sentir que é melhor que os outros professores, já que suas aulas fazem muito mais sucesso. Marco acaba seu namoro e até bate em Karo, aluna que critica e procura acabar com o movimento. Ela, inclusive, é vista por nós como uma vilã. Afinal, também ficamos comovidos com tamanha união e dedicação das pessoas a um grupo. Por outro lado, também nos assustamos com que cada membro é capaz de fazer pelo movimento. Ninguém tem a consciência dos danos que o movimento causa aos outros e a si mesmo e de qual o seu verdadeiro objetivo.

Tudo isso nos faz pensar em outra questão a ser explorada: a facilidade de manipulação com os jovens. Hoje podemos perceber que grupos como os skinheads e neo-nazistas se mantém especialmente devido a participação dos jovens. Diversos movimentos como esses e até manifestações populares como as “Diretas Já” ganharam força com os mais jovens por conta da sua capacidade de união, organização em grupo e crença em uma ideologia. E talvez mais recorrente entre pela indefinição comum de seus objetivos na vida e tentativas de se sentir incluído em algum grupo. Apesar de não haver uma ideologia pré definida no “A Onda”, a mesma coisa acontece com seus participantes. O personagem Tim é o grande exemplo e chega a dizer: “A Onda” é minha vida. Afinal, um grupo é sempre mais forte do que a individualidade.

Com um elenco repleto de ótimas atuações e uma ótima direção “A Onda” é um filme que traz longas reflexões que, mesmo após o filme, podem produzir boas discussões históricas (e entendemos o porquê algo como o nazismo e o fascismo obteve êxito durante tanto tempo), sociológias e psicológicas, especialmente com um chocante e perturbador final que nos faz compreender o quanto um movimento desses pode ser tão perigoso.

Confira o trailer:

Renan Araújo

Vídeo 35 filmes em dois minutos e Festival de Cinema de Paulínia

2010-07-17T20:02:00.000-07:00

Muito interessante esse vídeo que possui representações de 35 filmes em apenas 2 minutos. Você consegue reconhecer todos eles? Confesso que eu não consegui. O link está logo abaixo:

http://vimeo.com/13334581

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Festival de Paulínia chega com maior premiação em dinheiro do país

Retirado do site:
http://cinema.uol.com.br/ultnot/2010/07/14/paulinia-festival-de-cinema-chega-a-3-edicao-com-maior-premiacao-em-dinheiro-do-pais.jhtm

O Paulínia Festival de Cinema chega à sua 3ª edição na próxima quinta (15), consolidando-se como um dos mais importantes do Brasil – especialmente para cineastas e produtores. O evento confere uma premiação no valor total de R$ 650 mil, dividida entre diversas categorias, como melhor filme de ficção, documentário, diretor e outras. O prêmio para o melhor longa de ficção é de R$ 150 mil (R$ 90 mil a mais do que no ano passado), quase o dobro da categoria no Festival de Brasília, um dos mais respeitados do país, e do Festival de Cinema do Paraná – cada um deles pagando R$ 80 mil.

Para poder se inscrever, o longa precisa ser inédito em circuito nacional ou, pelo menos, não ter recebido prêmio de melhor filme em outro festival brasileiro. Essa exigência acaba limitando as opções de seleção dos festivais nacionais que acontecem no primeiro semestre, como Cine PE (abril) e Cine Ceará (julho). Em 2010, doze longas (seis ficções e seis documentários), além de 13 curtas, disputam os prêmios em Paulínia.

Concorrem na categoria longa de ficção coletivo “5 X Favela, Agora Por Nós Mesmos”, de Manaíra Carneiro e Wagner Novaes, Rodrigo Felha e Cacau Amaral, Luciano Vidigal, Cadu Barcellos, Luciana Bezerra; “Broder”, de Jefferson De; “As Doze Estrelas”, de Luiz Alberto Pereira; “Desenrola”, de Rosane Svartman; “Dores e Amores”, de Ricardo Pinto e Silva; e “Malu de Bicicleta”, de Flavio Tambellini.

Já os documentários, que disputam um prêmio de R$ 50 mil, são “As Cartas Psicografadas de Chico Xavier”, de Cristina Grumbach; “Lixo Extraordinário”, de Lucy Walker, João Jardim e Karen Harley; “Uma Noite em 67”, de Renato Terra e Ricardo Calil; “Programa Casé”, de Estevão Ciavatta; “São Paulo Cia de Dança”, de Evaldo Mocarzel; e “Sobre Leite e Ferro”, de Claudia Priscilla.

Além dos filmes em competição, o Paulínia Festival de Cinema exibe mostras paralelas, com destaque para longas inéditos em circuito comercial, como “Cabeça a Prêmio”, de Marco Ricca, e “Eu e Meu Guarda Chuva”, de Toni Vanzolini.

Homenagens e debates

Na abertura do festival, nesta quinta, será exibida a cópia restaurada do premiado “O Beijo da Mulher-Aranha”, de Hector Babenco, que será homenageado no evento, que também exibirá seu longa “Coração Iluminado”, numa mostra paralela. O longa “400 contra 1”, de Caco Souza, que traz no elenco Daniel de Oliveira e Daniela Escobar, será o filme de encerramento, no dia 22.

Além da exibição de filmes, o Paulínia Festival de Cinema promove debates sobre produção e crítica. Na sexta (16), o tema é “Políticas públicas para o cinema brasileiro”; no sábado (17), acontece um encontro da crítica; e no domingo (18), uma palestra sobre cidadania e cinema.

Todas as sessões do festival (exceto abertura e encerramento) são gratuitas e abertas ao público. Para mais informações, além da agenda completa, acesse o site do festival - http://www.culturapaulinia.com.br/index.php

Renan Araújo

O filme do ano

2010-07-16T16:13:00.000-07:00

Danny Trejo é Machete

Sim, esse post é do inicio ao fim opinativo, e desconsidera todos os aspectos básicos estabelecidos pelos críticos de cinema como critério para definir se uma produção é boa ou ruim.

“Machete”, nova produção do diretor Robert Rodriguez, não passava de um falso trailer exibido antes do filme Planeta Terror de 2007. Mas, ainda bem para os fãs, o projeto (que segundo Rodriguez havia surgido antes mesmo de Grindhouse) tornou-se realidade e chega à telona em setembro nos EUA. O filme tem tudo que um bom longa precisa: um mexicano matador, conspiração, mulheres bonitas, um padre assassino, explosões e um ator decadente (Steven Seagal está no elenco). Tudo isso compõem esse, que na minha opinião, será o lançamento do ano. Se você ainda não viu o trailer, confira primeiro o “original” de 2007 e o recém lançado de 2010.

“2007”

“2010”

Making of

Guilherme Damiani

Quem quer ser um milionário?

2010-07-12T17:09:00.000-07:00

Quem quer ser um milionário?, filme ganhador de 8 Oscars, inclusive o de melhor filme, direção e roteiro adaptado, é o maior símbolo da preferência atual de Hollywood por filmes não convencionais àqueles costumeiramente premiados na maior cerimônia do cinema mundial (de grandes orçamentos, grandes efeitos especiais e astros super reconhecidos). A produção do diretor Danny Boyle foi realizada com baixo orçamento, atores desconhecidos e até iniciantes e filmada em Munbai na Índia. A trama acompanha a história do garoto indiano Jamal Malik (Dev Patel) desde a sua infância até chegar a um programa de perguntas e respostas onde tem a chance de ganhar o maior prêmio da história da televisão indiana.

A história começa com um interrogatório policial que tenta investigar uma suposta fraude com o sucesso surpreendente de um garoto que nem mesmo teve acesso à educação durante a sua vida. À medida que assistimos aos seus acertos no programa assistimos a flashbacks sobre as diversas dificuldades que o garoto passou durante a infância que de maneira impressionante se encaixam em cada uma das perguntas que o garoto deve responder na mesma ordem em que são realizadas. Ou seja, o objetivo é explicar que todo o sofrimento pelo qual Jamal passou foi a única forma de aprendizado para o programa, ou seja ele teve muita sorte com as perguntas escolhidas (única explicação plausível). A tal tortura e a investigação policial também soam artificiais a fim de buscar uma confissão sobre uma possível fraude no programa. Ou seja, não passa de uma situação que serve apenas como componente dramático a uma trama que sofre em certos momentos pela falta de ligação e veracidade entre certos elementos do roteiro.

Atores na cerimônia de entrega do Oscar

Porém, a produção também possui ótimos momentos. Passamos pela mesma tensão e sofremos com as situações de Jamal e seu irmão Salim como a morte da mãe, o abandono e a exploração sofrida por um bandido que treina seu grande amor para trabalhar como prostituta e o envolvimento de seu irmão com o mundo do crime. A cada resposta certa no programa vibramos, ficamos ansiosos com a pergunta que virá e torcemos como se estivéssemos em seu lugar. Também merece destaque a excelente atuação dos jovens atores que interpretam os irmãos Jamal e Salim enquanto são crianças. A relação entre os dois é absolutamente espontânea e sua degradação é exibida de maneira emocionante, o que garante aos flahsbacks os melhores momentos do filme. Enfim, Quem quer ser um milionário? É um bom filme, que diverte, apesar de suas falhas.

Confira o trailer:

Renan Araújo

Uma grata surpresa

2010-07-09T20:36:00.000-07:00

Sabe quando você ouve falar tão bem de um certo filme que não vê a hora de assisti-lo? Pois bem, Magnólia (1999) foi para mim um desses filmes.

Confesso que ao perceber que sua duração era um pouco acima do normal (o longa ultrapassa três horas de exibição) cheguei a pensar que ele se tornaria maçante. Ledo engano. Magnólia encanta do inicio ao fim com sua história cheia de tropeços, erros, arrependimentos e detalhes que fazem toda a diferença.

A começar pela abertura, simplesmente fantástica, que mesmo não estando ligado com a história principal nos insere indiretamente dentro do contexto que será apresentado pelo filme que está prestes a começar. Trata-se de uma sucessão de eventos que se cruzam terminando com um acidente familiar trágico (para não dizer bizarro). Mas tudo isso com um toque de humor negro, mostrando como a vida pode ser imprevisível e como de uma forma ou de outra nossas ações interferem as nossas vidas e a de outras pessoas.

Não pretendo revelar muito do enredo, portanto me restringirei apenas a velha sinopse convencional: a história se passa na cidade de Los Angeles, onde nove vidas se cruzam pelo destino. Curiosamente estas pessoas moram aos redores da rua Magnólia e tudo se passa no período de um dia. O que aproxima essas personagens é o estado em que estão: arrependidas, amarguradas, solitárias ou até mesmo morrendo.

Sapos?

Talvez ao concluir esse filme você termine com várias dúvidas. Eu fiquei com algumas, mas após ler alguns textos (que poderão ser lidos através dos links no final do texto) muito do que me parecia não ter lógica alguma se encaixava de forma genial dentro do contexto. Aliás, o diretor Paul Thomas Anderson exige que o expectador consiga captar algumas “pistas” deixadas pelo filme, coisas simples, que ao olhar mais distraído podem acabar passando despercebido. Se você ainda não assistiu ao filme preste bem atenção em números, religião e chuva.

Magnólia já está na minha lista de filmes favoritos. Talvez pelo enredo que me recorda Crash – no Limite (2005) pelas histórias que se cruzam, ou também por 21 Gramas (2003) por me lembrar o estado caótico das personagens. Independente disso, Magnólia é um ótimo filme.

Trailer

Pablo Villaça- Cinema em Cena
Régis Trigo – Cineplayers
Wander Cabral – Cineplayers

Guilherme Damiani

Era Uma Vez no Oeste

2010-07-06T17:30:00.000-07:00

Dando continuidade a linha western dos últimos posts do blog, hoje falarei de um filme que aprecio muito: o já clássico “Era Uma Vez no Oeste” (1968) do diretor Sérgio Leone.

De narrativa lenta, exaustiva e com todo o peso que um filme de faroeste deveria ter, “Era Uma Vez no Oeste” se firmou com o tempo como um dos maiores filmes do gênero. Como o próprio diretor disse “O ritmo do filme pretendeu criar a sensação dos últimos suspiros que uma pessoa exala antes de morrer. Era Uma Vez no Oeste é, do começo ao fim, uma dança da morte. Todos os personagens do filme, exceto Claudia (Cardinale), têm consciência de que não chegarão vivos ao final”. Isso resume muito bem os 165 minutos do longa metragem que com diálogos memoráveis, cenas antagônicas e uma trilha sonora memorável cravaram este como uma das melhores obras cinematográficas de todos os tempos.

O longa gira em torno de quatro protagonistas: Jill, uma ex-prostituta que larga o seu passado para se casar com o viúvo Brent McBrain, buscando assim uma nova vida; o bandido Cheyenne acusado por uma chacina que não cometeu; o pistoleiro imperdoável Frank (vilão interpretado por Henry Fonda) e o “homem misterioso”,sujeito que vive calado que sempre munido com a sua gaita vive em busca de vingança.

Composta por Ennio Morricone, a trilha é mais um personagem dentro do filme. Emocionante, sua presença é tocante. É impossível assistir o longa sem notar a trilha que embala cena após cena.

“Era Uma Vez no Oeste” é indispensável, tanto para apreciadores de westerns quanto pelos amantes do cinema. Surpreendentemente, o filme foi um fracasso de bilheteria na época em que foi lançado. Isso se deve pela narrativa lenta que acabou não agradando o público e grande parte da crítica. Confesso que em muitas partes pensei que acabaria não gostando da obra, mas, com um final surpreendente (que não contarei), “Era Uma Vez no Oeste” é, e com todos os créditos, um filme memorável.

Guilherme Damiani

Três Homens em conflito

2010-07-04T14:12:00.000-07:00

Aproveitando o gênero faroeste que eu comentei no post abaixo, hoje trarei aqui uma cena memorável, agora do terceiro filme da série dos dólares do diretor Sérgio Leone. O vídeo abaixo mostra a disputa final entre o Bom, o Mau e o Feio para pegar um tesouro secreto. Tudo isso com as boas e velhas características de filmes de faroeste e a emoção das produções do diretor italiano. Confira:

Retirado do blog Diário de Bordo do site Cinema em Cena

Renan Araújo

Por uns dólares a mais (1965)

2010-07-01T14:40:00.000-07:00

O gênero western ou faroeste é pouco comentado, especialmente aqui no Brasil, onde não produzimos filmes com essa temática. Mesmo assim, é um gênero muito interessante de ser abordado e que agrada a uma boa parte do público interessado em cinema. No texto abaixo falarei sobre o clássico “Por uns dólares a mais” de Sérgio Leone.

“Por uns dólares a mais” é o segundo filme da trilogia dos dólares do diretor italiano Sérgio Leone. Os outros dois são “Por um punhado de dólares” e “Três homens em conflito”. Esse filme pertence ao chamado western spaghetti, filmes de faroeste realizados por diretores italianos na Europa. Ele foi filmado com baixo orçamento em Almeria na Espanha, cenário que simula bem o Velho Oeste americano. A partir dessa trilogia Sérgio Leone e seu ator preferido Clint Eastwood obtêm reconhecimento internacional. A história do filme traz como personagens principais dois matadores de aluguel rivais, o homem sem nome, chamado apenas por Monco (Clint Eastwood) e Douglas Mortimer (Lee Van Cleef), que se unem para matar um índio e sua gangue de bandidos que planeja roubar um banco no Velho Oeste dos Estados Unidos.

O roteiro do filme é pouco elaborado, por conta da lentidão no desenvolvimento da trama principal e ela se desenrola de maneira até simplória demais. Algumas situações de aproximação entre os personagens parecem um pouco forçadas demais. Mas, por outro lado, Sérgio Leone consegue se destacar e exibir um desempenho impecável. O diretor utiliza já nesse filme diversas marcas que o tornariam consagrado posteriormente. Sua direção explora muito bem a expressão dos atores e procura esticar ao máximo a tensão com planos que valorizam a disputa que está por vir. Os vários cortes, closes e cenas de longa sequência são o seu grande diferencial. O italiano utiliza até mesmo algumas cenas engraçadas e brinca com os tiros, mesmo em uma situação aparentemente tensa, como nos tiros nos chapéus entre os personagens principais ou nas balas que Monco utiliza para que um homem possa alcançar suas frutas em uma árvore distante. Assim, nossa atenção é desviada da disputa entre os dois atiradores que está por vir. Em alguns casos, esse confronto simplesmente não acontece e serve apenas como uma brecha para que a história se desenvolva. Mas nem por isso deixa de ser menos emocionante ou surpreendente, como no caso do suposto confronto entre Mortimer e Monco.

Miniaturas dos personagens do filme

Destacam-se também os cenários marcantes dos filmes de faroeste com o deserto árido, as pequenas cidades com suas casinhas de madeiras e shallons e os cavalos como único meio de transporte. Outro ponto forte é a desconstrução de seus personagens. Desde o início percebe-se a preocupação de enaltecer suas características mais fortes. Ao fim do filme já estamos familiarizados com a pontaria certeira dos dois atiradores, a agilidade, sua sede pelo dinheiro, os chapéus, seus figurinos típicos, suas expressões faciais e olhares e até mesmo suas maneiras de atirar. Tudo isso é claro com as marcantes atuações de Lee Van Cleef e Clint Eastwood, que passa a confirmar seu talento nos filmes do gênero. Enfim, é uma ótima opção para quem gosta dos chamados filmes de bang-bang.

Confira o trailer:

À Espera de um Milagre

2010-06-28T15:21:00.000-07:00

Como o Guilherme já disse em um post anterior, essa é daquelas produções que realmente nos fazem chorar. O filme, uma adaptação do conto de Stephen King, traz a história, contada em forma de flashback, de Paul Edgecomb (Tom Hanks), um policial responsável por executar condenados à morte em na prisão de Green Mile, no sul dos Estados Unidos. Com a chegada do misterioso John Coffey (Michael Clark Duncan), Paul se vê completamente envolvido com o prisioneiro que possui dons absolutamente incomuns e mágicos.

A produção dirigida por Frank Darabont é envolvente em todos os sentidos. Tudo se desenrola com muita calma para que o espectador possa se ambientar com os personagens, o local e todos os tipos de situações que acontecem ali. Podemos ver até mesmo uma relação pacífica e até humana entre os prisioneiros e os policiais, que pouco se importam com o passado e os crimes cometidos pelos detentos. Há pelo lado deles até mesmo um certo incômodo por estarem na posição de executores de uma vida. Porém, se passamos a nos ambientar com o que acontece na prisão, continuamos chocados com as execuções praticadas, uma vez que não passam de algo completamente inútil e cruel. Porém, para que o filme não adquira um clima tão pesado, situações engraçadas como as brincadeiras entre Eduard Delacroix (Michael Jeter) e o ratinho Mr. Jingles e os castigos pelas maldades praticadas por Percy Wetmore (Doug Hutchison) e pelos outros presos, se mostram necessárias ao filme.

Porém, a chegada de John Coffey abala todos os presos e guardas que convivem com ele. Logo que seus dons sobrenaturais são desvendados novas emoções aparecem e tudo muda radicalmente. A competente direção de Frank Darabont garante grande importância à cada ato de Coffey e aumenta o clima de mistério em torno de sua misteriosa personalidade. As atitudes do grandalhão, que a primeira vista parece ser perigosíssimo mas que se mostra totalmente inofensivo, faz os próprios guardas mudarem em relação ao tratamento com os outros presos, passando a se envolverem mais com eles. Embora o espectador assista à história do ponto de vista de Paul, o grande personagem do filme é John Coffey. E é admirável que isso aconteça de modo muito sutil, sem artificialidade para a trama.

Darabont faz uma direção belíssima. Consegue trazer os elementos necessários à trama com calma e traz grande conforto ao espectador, mas sabe explorar a emoção e os sentimentos de seus personagens de forma muito forte, mesmo com simples ações. Para isso, ele utiliza planos de câmera e uma fotografia que procuram enaltecer a expressão dos atores ou que escondem algum elemento misterioso que será revelado em seguida. A atuação de Tom Hanks é excelente, já que soube retratar de forma muito espontânea a transformação de seu personagem com as situações envolvidas. Mas o grande destaque é Michael Clarke Duncan na pele de John Coffey. O ator transmite uma bondade e uma gentileza comparadas à de uma criança que não suporta ver o mal no seu dia-a-dia. Tudo isso contrasta com seu porte físico, mas traz ainda mais carisma e emoção ao espectador.

A partir das descobertas dos milagres e dos poderes sobrenaturais de Coffey várias questões começam a ser discutidas: o preconceito, o despreparo e a estupidez da justiça ao se julgar um caso e condenar uma pessoa de maneira tão estúpida, a solidão, o valor a cada coisa simples da vida e as maldades que as pessoas cometem umas as outras. Ficamos com esses questionamentos em nossas cabeças após o fim do longa. “À Espera de um Milagre” é uma bela reflexão sobre a vida e as relações que envolvem os seres humanos. Filme para ser visto e revisto muitas vezes. E se emocionar em todas elas.

Confira o trailer:

Por Renan Araújo

Futebol e Cinema

2010-06-26T21:29:00.001-07:00

Em época de Copa do Mundo, trarei aqui no blog algumas dicas de bons filmes que tratam do tema futebol, assunto pelo qual sou apaixonado e pelo qual muita gente que acompanha o blog também adora. A grande maioria dos filmes sobre assunto é brasileiro por motivos óbvios.

Pelé Eterno

O documentário de 2004 do diretor Anibal Massaini Neto conta a vida de Édson Arantes do Nascimento, o Pelé, maior jogador de futebol de todos os tempos. O filme exibe todos os 1284 gols e diversos lances do rei do futebol e conta com entrevistas do próprio Pelé e de seus companheiros em forma de uma narrativa cronológica da sua carreira.

Garrincha, a Estrela Solitária

O filme narra a trajetória de Manuel dos Santos, o Garrincha, um dos melhores jogadores brasileiros de todos os tempos, dentro e fora dos campos através de diversas pessoas que conviveram com o craque. O filme possui também ótimas interpretações. O “demônio das pernas tortas” é interpretado por André Gonçalves e sua ex-esposa Elza Soares é vivida por Taís Araújo. Direção de Milton Alencar.

O Casamento de Romeu e Julieta

Essa é uma comédia romântica brasileira que trata mais da paixão dos brasileiros pelo futebol do que pelo esporte em si. Romeu é um corintiano fanático que se apaixona por Julieta uma palmeirense doente. Porém, os dois encontram, assim como na história de Shakespeare, diversas dificuldades para ficarem juntos, mas agora por causa do time que torcem. Direção de Bruno Barreto, com Luisa Piovani, Marco Ricca e Luís Gustavo.

Linha de Passe

Walter Salles traz em sua mais recente produção a história de Dario (Vinícius de Oliveira), menino pobre da periferia paulistana, que vê no sonho de ser um jogador de futebol a única maneira de melhorar as condições de vida de sua família.

Boleiros – Era uma vez o futebol

Em um bar paulistano enfeitado por objetos que remetem ao futebol, jogadores e ex-jogadores se reúnem para relembrar diversas histórias e personagens muito curiosos e interessantes conhecidas por eles no mundo da bola. Direção de Ugo Giorgetti.

Filmes Oficiais da Copa do Mundo

Para aqueles que gostam de relembrar os grandes momentos do maior torneio de futebol do mundo também podem conferir os filmes oficiais da Copa do Mundo, que traz uma síntese dos melhores momentos sobre um ponto de vista um pouco diferente das transmissões de TV de praticamente todas as Copas. Os filmes também são frequentemente exibidos no anal a cabo Sportv

Por Renan Araújo

O último gol do Pelé

2010-06-26T09:18:00.000-07:00

"Se desse para fazer um replay na minha vida, talvez se eu fizesse o meu último gol com a Seleção Brasileira, eu gostaria”. Realizado pela O2 Filmes e a agência Y&R.

Guilherme Damiani

Death Proof nos cinemas, Mortal Kombat e retorno

2010-06-25T21:52:00.000-07:00

Após um longo recesso (devido o final de semestre na faculdade), o blog retorna com novas atualizações.

Estréia “atrasada” de Tarantino chega aos cinemas em julho

A primeira parte do filme duplo “Grindhouse” (2007) chegará aos cinemas nacionais mês que vem. Death Proof tem direção e roteiro de Quentin Tarantino e foi lançado originalmente em 2007, mas só agora entrará no circuito brasileiro. O direito de distribuição do longa, que era da Playarte, foi passado para a Europa Filmes que, finalmente, acabará com a “revolta” dos muitos fãs que esperavam ansiosamente pelo lançamento. A segunda parte, “Planeta Terror” (direção e roteiro de Robert Rodrigues), pode ser encontrado nas videolocadoras (que há muito tempo já deve estar na seção de catálogos). Confira o trailer:

Trailer de Mortal Kombat impressiona – até mesmo quem não é fã

No inicio do mês um vídeo causou muita polêmica entre os aficionados por games. Um teaser, de um provável novo filme da série Mortal Kombat, fez o maior sucesso na rede deixando muita gente impressionada com a qualidade do material. Já dizem que a estréia ocorrerá em 2013, mas isso não está bem definido. Se você ainda não viu, ou assistiu sem legendas, fica a dica:

Guilherme Damiani

Grande Prêmio do Cinema Brasileiro

2010-06-09T16:10:00.001-07:00

Com cinco prêmios, "É Proibido Fumar" se consagra no Grande Prêmio do Cinema Brasileiro

Da Redação

Com cinco prêmios, "É Proibido Fumar" consagrou-se como o filme mais premiado da nona edição do Grande Prêmio do Cinema Brasileiro, entregue na noite desta terça (9), no Teatro João Caetano, no Rio de Janeiro. Foi uma repetição do que ocorreu no Festival de Brasília, no fim do ano passado, quando a realização de Anna Muylaert também ganhou vários prêmios.

"É Proibido Fumar" superou "Tempos de Paz", recordista de indicações nesta edição. Indicado em 11 categorias, o filme de Daniel Filho ficou com apenas dois prêmios. E nas categorias com votação popular, deu o que se esperava: "Avatar", de James Cameron, foi o preferido do público entre as produções estrangeiras, e "Se Eu Fosse Você 2", de Daniel Filho, acabou sendo o mais popular entre os títulos brasileiros.

Outro filme consagrado foi o documentário "Simonal - Ninguém Sabe o Duro Que Dei", de Calvito Leal, Claudio Manoel e Micael Langer, com quatro prêmios Grande Otelo, inclusive o de melhor documentário de longa-metragem.

Foi a atriz Dira Paes quem deu início à cerimônia de entrega do Grande Prêmio do Cinema Brasileiro. A apresentadora interpretou um discurso apaixonado sobre o cinema, destacando uma homenagem do evento aos exibidores, responsáveis pelas salas de cinema. A abertura logo deu espaço aos atores Ingrid Guimarães e Murilo Rosa, anfitriões da noite.

Longas

A cineasta Anna Muylaert foi a vencedora dos prêmios principais: venceu melhor filme e direção por ''É Proibido Fumar". Muylert subiu ao palco com a produtora Sara Silveira. "Eu não faço bilheteria como Daniel Filho mas sei como ganhar prêmios", brincou Silveira, lembrando prêmios de outros filmes que produziu. Já Muylaert, lembrou de Glória Pires. "Sem ela este filme não estaria aqui neste momento", disse. O fime ''É Proibido Fumar" acumulou cinco prêmios no total. Além dos dois mencionados, arrebatou as categorias trilha sonora, roteiro original e montagem de ficção

Já ''Se eu Fosse Você 2'' levou um prêmio esperado, considerando sua grande bilheteria: por votação popular, foi escolhido como o melhor filme de 2009. Subiu ao palco o diretor Daniel Filho, que lembrou em seu discurso o homenageado da noite, Anselmo Duarte. "Este é um filme popular. O Anselmo defendia isso", disse. Também por voto popular, foi escolhida a história em 3D "Avatar", de James Cameron, na categoria de filme estrangeiro.

Antes, foram anunciadas a categoria internacional para "Bastardos Inglórios", de Quentin Tarantino; e o infantil, ''O Grilo Feliz e os Insetos Gigantes'', animação em 3D dirigida por Walbercy Ribas e Rafael Ribas. Já na categoria documentários, "Simonal – Ninguém Sabe o Duro que Dei" foi o vencedor e teve agradecimentos dos três diretores Calvito Leal, Claudio Manoel e Micael Langer.

Atores

A atriz Lilia Cabral apareceu bastante emocionada no palco para receber o prêmio de melhor atriz por seu papel em ''O Divã'', superando a então favorita Glória Pires, indicada por dois papeis. "Agora posso dizer que faço cinema", disse Lilia. Já Tony Ramos confirmou expectativas: venceu o prêmio por ''Se Eu Fosse Você 2'', de Daniel Filho. O ator também estava indicado na categoria por "Tempos de Paz''. "Há 46 anos vivo os momentos que os personagens me permitem ter", disse Ramos, lembrando do seu tempo na profissão.

Para anunciar os atores coadjuvantes - melhor ator e melhor atriz - foi convidada a global Deborah Secco, que anunciou os premiados: Denise Weinberg, pelo papel de Ruiva em "Salve Geral"; e Chico Diaz, como camelô em "O Contador de Histórias".

Mais momentos

Também foram premiados os curtas-metragens "Juro que Vi: O Saci’’, de Humberto Avelar; "Superbarroco" , de Renata Pinheiro; "De Volta ao Quarto 666’’, de Gustavo Spolidoro; figurino, para Marília Carneiro, por “Tempos de Paz’’; maquiagem, para Martim Marcias Trujillo, por “Besouro”; e direção de fotografia para Ricardo Della Rosa, por “À Deriva”.

Um dos pontos altos da cerimônia foi a homenagem ao cineasta Anselmo Duarte, falecido no final de 2009, que teve discurso emocionado de Glória Menezes, atriz de ''O Pagador de Promessas''. A atriz pediu ao escritor Inácio de Loyola Brandão, amigo do diretor, que escrevesse o texto. O público aplaudiu de pé.

Confira a lista dos premiados da nona edição do Grande Prêmio do Cinema Brasileiro, entregue na noite desta terça (8), no Teatro João Caetano, no Rio de Janeiro:

LISTA DOS VENCEDORES

MELHOR LONGA-METRAGEM NACIONAL - VOTAÇÃO POPULAR

"SE EU FOSSE VOCÊ 2"
De Daniel Filho. Produção: Iafa Britz, Marcos Didonet, Vilma Lustosa e Walkiria Barbosa por Total Entertainment e Daniel Filho

MELHOR LONGA-METRAGEM ESTRANGEIRO - VOTAÇÃO POPULAR

"AVATAR"
De James Cameron Produção 20th Century Fox

MELHOR LONGA-METRAGEM DE FICÇÃO

"É PROIBIDO FUMAR"
De Anna Muylaert. Produção: Anna Muylaert, Maria Ionescu e Sara Silveira por Dezenove Filmes

MELHOR LONGA–METRAGEM DOCUMENTÁRIO

"SIMONAL – NINGUÉM SABE O DURO QUE DEI"
De Calvito Leal, Claudio Manoel e Micael Langer. Produção: Raul Schmidt por Jaya, Roberto Berliner e Rodrigo Letier por TvZERO, Carlos Paiva e Isabelle Tanugi por Zohar Cinema, Claudio Manoel e Manfredo G. Barreto

MELHOR LONGA–METRAGEM INFANTIL

"O GRILO FELIZ E OS INSETOS GIGANTES"
De Walbercy Ribas e Rafael Ribas. Produção: Juliana Ribas por Start Desenhos Animados

MELHOR LONGA–METRAGEM ANIMAÇÃO

"O GRILO FELIZ E OS INSETOS GIGANTES"
De Walbercy Ribas e Rafael Ribas. Produção: Juliana Ribas por Start Desenhos Animados

MELHOR DIREÇÃO

ANNA MUYLAERT
Por "É Proibido Fumar"

MELHOR ATRIZ

LILIA CABRAL
Como Mercedes por "Divã"

MELHOR ATOR

TONY RAMOS
Como Claudio por "Se Eu Fosse Você 2"

MELHOR ATRIZ COADJUVANTE

DENISE WEINBERG
Como Ruiva por "Salve Geral"

MELHOR ATOR COADJUVANTE

CHICO DIAZ
Como camelô por "O Contador de Histórias"

MELHOR DIREÇÃO DE FOTOGRAFIA

RICARDO DELLA ROSA
Por "À Deriva"

MELHOR DIREÇÃO DE ARTE

CLAUDIO AMARAL PEIXOTO
Por "Besouro"

MELHOR EFEITO VISUAL

MARCELO SIQUEIRA
(ABC) Por "Besouro"

MELHOR ROTEIRO ORIGINAL

ANNA MUYLAERT
Por "É Proibido Fumar"

MELHOR ROTEIRO ADAPTADO

BOSCO BRASIL
Por "Tempos de Paz". Adaptado da obra “Novas Diretrizes em Tempos de Paz” de Bosco Brasil

MELHOR MONTAGEM DE FICÇÃO

PAULO SACRAMENTO
Por "É Proibido Fumar"

MELHOR MONTAGEM DE DOCUMENTÁRIO

KAREN AKERMAN e PEDRO DURAN
Por "Simonal – Ninguém Sabe o Duro que Dei"

MELHOR SOM

DENILSON CAMPOS e PAULO RICARDO NUNES
Por "Simonal – Ninguém Sabe o Duro que Dei"

MELHOR TRILHA SONORA

MARCIO NIGRO
Por "É Proibido Fumar"

MELHOR TRILHA SONORA ORIGINAL

BERNA CEPPAS
Por "Simonal – Ninguém Sabe o Duro que Dei"

MELHOR CURTA-METRAGEM FICÇÃO

"SUPERBARROCO"
De Renata Pinheiro

MELHOR CURTA-METRAGEM DOCUMENTÁRIO

"DE VOLTA AO QUARTO 666"
De Gustavo Spolidoro

MELHOR CURTA-METRAGEM ANIMAÇÃO

"JURO QUE VI: O SACI"
De Humberto Avelar

MELHOR LONGA-METRAGEM ESTRANGEIRO

"BASTARDOS INGLÓRIOS"
(Inglourious Basterds, ficção, EUA) - De Quentin Tarantino. Distribuição: Universal Pictures/Paramount Pictures

Retirado do site Uol Cinema: http://cinema.uol.com.br/ultnot/2010/06/08/premios-de-melhores-atores-sao-entregues-no-grande-premio-do-cinema-brasileiro.jhtm

Pode não agradar a todos, mas é a melhor dica da semana

2010-06-06T13:02:00.000-07:00

Entre as estréias, "Elevado 3.5" é o lançamento mais interessante

Pôster do filme "Elevado 3.5"

A dica desta semana é o documentário “Elevado 3.5” de 2007 (vencedor do prêmio de melhor documentário brasileiro do Festival É Tudo Verdade do mesmo ano). O filme mostra a relação daqueles que trabalham e moram no Elevado Costa Silva (popularmente conhecido como Minhocão pelos paulistanos) com o polêmico viaduto. Curiosamente, a obra além de ser tida como uma das “mais feias da cidade” (segundo pesquisa feita pela Datafolha em 2004), recentemente teve sua demolição decretada por Gilberto Kassab. No local, possivelmente será construído uma via arborizada com espaço para os ciclistas. O projeto faz parte de um grande projeto de urbanização da cidade de São Paulo. O documentário tem direção de João Sodré, Maíra Bühler e Paulo Pastorelo.

Screenshots E.T. - O Extraterrestre

2010-06-05T09:14:00.000-07:00

Direção: Steven Spielberg

Roteiro: Melissa Mathison

Videoteca Básica - Central do Brasil

2010-06-02T13:44:00.001-07:00

Sempre senti falta no cinema brasileiro de um filme que retratasse a verdadeira realidade do nosso país. Um filme que fugisse do tema tráfico de drogas, polícia, crimes e a pobreza das favelas contrastando com a riqueza dos mais ricos de forma estereotipada e até mesmo preconceituosa. Um filme que fugisse desses temas já completamente clichês. Central do Brasil é esse filme. Acompanhamos a história de Dora (Fernanda Montenegro), professora aposentada que ganha a vida escrevendo cartas para pessoas analfabetas na Central do Brasil estação de trem do Rio de Janeiro. Ela se vê envolvida com a vida do menino Josué (Vinícius de Oliveira) quando a mãe desse morre atropelada em frente ao local onde ela trabalha. O menino fica sozinho na cidade e após relutar por um momento ela resolve ajudá-lo a viajar para procurar o pai do menino no interior do Nordeste.

O filme impressiona por sua simplicidade. De modo prático, é retratada a vida na cidade grande com trens lotados e gente apressada, no interior do nordeste com rituais religiosos e a luta diária de milhares de pessoas para conseguir sobreviver. Ao longo do filme nos emocionamos com a relação entre Dora e Josué. É tudo muito sincero e real. No começo, Dora procura não se envolver com mais um problema em sua vida e tenta se livrar dele. O tempo todo Dora tenta desiludir Josué, alertando-o de que seu pai é uma pessoa ruim, o que é nada mais é uma forma de demonstrar a descrença que ela possui pelas pessoas que já a fizeram sofrer. Porém, alertado pela amiga Irene, ela sente pena de Josué e, sem enxergar outra opção, se envolve numa busca incessante para encontrar o pai do garoto. Essa é a única saída vista por ela para se “livrar” da vida do garoto. Mas com o tempo ela se envolve de tal forma com ele que não consegue mais abandoná-lo e vê seu único objetivo de vida passa a ser realizar a felicidade do menino de enfim encontrar um pai. Porém, tudo parece dar errado e isso parece uni-los cada vez, envolvendo o espectador de tal forma que nem percebemos o tempo passar. Quando estão próximos de encontrar a família de Josué, Dora finalmente se mostra uma pessoa sensível lembrando-se dos bons momentos que também passou com seus pais. Coisa que só a alegria e a naturalidade de uma criança conseguem despertar, até mesmo naquela pessoa em que acreditamos não possuir mais nenhum motivo para viver.

Tecnicamente, o filme também é excelente. A fotografia escura da cidade grande traz um sentimento de solidão e tristeza. Já a fotografia bem mais clara do nordeste retrata toda a pobreza e o sofrimento na vida de cada uma daquelas pessoas, mas, ao mesmo tempo, transmite um vasto horizonte de esperança na vida dos moradores. Fernanda Montenegro está impecável no papel. Sentimos repulsa por conta de suas atitudes, mas acabamos torcendo por ela ao presenciar o quanto ela sofre ao longo da história. Já o menino Vinícius de Oliveira interpreta Josué com uma grande espontaneidade. Ele se mostra um menino sonhador, parece ser ingênuo, mas é muito mais inteligente e maduro do que esperamos. Os cenários, que trazem um belo panorama de diferentes locais do Brasil, foram muito bem escolhidos e valorizados pela ótima direção do competente Walter Salles. Merece destaque os sinceros e enriquecedores depoimentos das pessoas que pedem a Dora que escreva as cartas. A esperança do povo se mostra muito maior do que o sofrimento que as acomete. Central do Brasil é o melhor retrato do Brasil em que vivemos através de uma história fantástica. Não é a toa que foi indicado a melhor filme estrangeiro e melhor atriz (Fernanda Montenegro) no Oscar e ganhou o Urso de Ouro no Festival de Berlim. Merece ser assistido muitas vezes.

CINECLUBE01 Comenta: Vanilla Sky

2010-05-31T16:14:00.003-07:00

Vanilla Sky é um filme que pode dividir opiniões, mas é feito principalmente para agradar o público de maneira geral. A produção é uma refilmagem do filme Abre los Ojos de Alejandro Amenábar de 1997, considerado pelos críticos um filme muito mais completo e profundo do que a versão considerada superficial do diretor Cameron Crowe. Acompanhamos ao longo da trama a história de David Aames, um ricaço que herdou dos pais uma enorme fortuna e controla grandes empresas. Ocasionalmente ele se relaciona com sua amiga Jullie Gianni (Cameron Diaz), que morre de ciúmes ao perceber a aproximação entre David e Sofia (Penélope Cruz). Em um ataque de loucura, Jullie provoca um grave acidente (com David ao seu lado) que lhe tira a vida e faz com que David tenha dúvidas do que é real ou sonho em sua vida.

O filme possui um bom enredo. Isso é fato. Mas a forma como a história é contada ao longo do filme provoca diversas dúvidas no espectador. O diretor Cameron Crowe opta por contar uma história de forma não linear a partir do que David conta a seu psicólogo. Porém, ficamos confusos sobre a ordem em que as coisas acontecem e principalmente sobre o que é sonho e o que é realidade, uma vez que isso é revelado de forma antecipada ao espectador. Outra coisa que particularmente me decepcionou muito foi o final (é claro que não vou contá-lo). Tudo o que acontece como forma de explicar o filme parece absurdo demais. Parece que foi feito apenas para esclarecer o que não ficou claro ao longo da história.

Mas também há pontos positivos no filme. A relação entre perdas e ganhos entre David e Sofia, arrependimentos e a reflexão sobre o que é real ou sonho em nossas vidas (ou o que queremos que seja real ou não) nos emociona em vários momentos. Paramos para pensar no que um verdadeiro amor representa e no quanto sua ausência faz falta. Se por um lado, o diretor opta por uma narração um pouco confusa, ele também escolhe planos de câmera que valorizam os sentimentos dos atores e conseguem passar ao espectador toda a confusão mental presente na mente de David. A fotografia e a trilha sonora também são espetaculares. Já no quesito atuação o filme também deixa um pouco a desejar. Tom Cruise parece exagerar em certos momentos com suas expressões principalmente em momentos de dor e sofrimento. Penélope Cruz chama mais atenção por conta de sua beleza do que pela atuação que pouco convence. Já Cameron Diaz está muito bem e transmite todo o descontrole de sua personagem, característica que desenrola toda a história.

Vanilla Sky agrada muita gente porque engloba diversos aspectos típicos de um filme hollywodiano, como um final impressionante, belos efeitos e com uma produção elaborada de modo geral. Porém, isso não parece compensar todos os problemas existentes durante a produção. Tinha tudo para se produzir um filme muito mais interessante do que foi realizado.

Texto de Renan Araújo

PS: Como eu e o Guilherme temos opiniões diferentes a respeito desse filme, resolvemos identificar o autor do texto

O retorno de Polanski com "O Escritor Fantasma"

2010-05-30T12:51:00.000-07:00

Polanski retorna com suspense hitchcockiano

O escritor sem nome interpretado por Ewan McGregor

O destaque dessa semana marca o retorno do diretor Roman Polanski ao cinema. O título “O Escritor Fantasma” resume bem o protagonista, que por sinal não tem seu nome citado no desenvolver da narrativa e cujo trabalho é escrever uma obra sem receber os créditos pela mesma. O tal escritor (Ewan McGregor) fora contratado para concluir uma autobiografia do ex primeiro ministro do Reino Unido Adam Lang (Pierce Brosnan), tentando limpar a sua imagem com o objetivo de mostrá-lo como uma boa pessoa.

O ghostwriter não possui família, amigos e tem apenas uma obra em seu currículo e algo que ele não esperava era descobrir que o antigo encarregado por esse trabalho havia sido encontrado morto sob circunstancias misteriosas. Conforme suas investigações progridem suas descobertas acabam deixando-o em perigo.

Adam Lang, personagem que pode ser relacionado com Polanski e até

mesmo com o ex-primeiro ministro britânico Tony Blair

O longa intitulado “O Escritor Fantasma” trata-se de uma ficção que flerta, de uma forma ou de outra, com a realidade. Adam Lang seria a versão cinematográfica de Polanski, que ao invés de estar envolvido com escândalos sexuais vem sendo acusado por crimes de guerra. O ex ministro que supostamente entregava criminosos para serem torturados pela CIA, tem os EUA como aliado, pois não o entregam para que seja julgado pela corte européia. Já Polanski vive uma situação parecida, já que a Europa está lhe ajudando enquanto a corte americana prepara seu julgamento.

O personagem de Brosnan poderia ser comparado com outro individuo, mas esse também envolvido com a política: o ex-primeiro ministro britânico Tony Blair, que recentemente testemunhou em um inquérito sobre a participação do seu governo na guerra do Iraque. Coincidência ou não, todos esses elementos estão ali presentes, deixando o suspense ainda mais eletrizante.

Roman Polanski: cineasta, nos últimos tempos, vem ganhando

mais destaque devido os escândalos sexuais

“O Escritor Fantasma” foi gravado e concluído em um período conturbado para Polanski. O cineasta que estava envolvido com a justiça por crimes sexuais ocorridos no passado, acabou não participando do final da filmagem devido a sua prisão pela Justiça Suíça. Em coletiva realizada no Festival de Berlim (onde Polanski não compareceu mas acabou ganhando o Urso de Prata de melhor diretor) o produtor Robert Benmussa falou um pouco sobre as dificuldades na conclusão das gravações. “Continuamos rodando o filme com ele na prisão. Mandávamos o material através do seu advogado”, disse. Mesmo com toda essa situação, Polanski merece o reconhecimento por mais uma obra dentro da sua já conceituada filmografia. Talvez este não seja um dos seus melhores filmes, mas o clima de suspense que envolve essa obra torna-a uma boa pedida.

Vencedores Festival de Cannes 2010

2010-05-24T17:55:00.000-07:00

Texto retirado do site Cinema em Cena: http://www.cinemaemcena.com.br/Premiacao_Detalhe.aspx?ID_PREMIO=7&ID_PREMIACAO=1482

As honras foram feitas: já são conhecidos os vencedores do Festival de Cannes de 2010, que aconteceu entre os dias 12 e 23 de maio na cidade francesa.

O destaque da premiação foi o cinema asiático. Lung Boonmee Raluek Chat, do diretor tailandês Apichatpong Weerasethakul, arrematou a Palma de Ouro principal. O filme foi inspirado em uma fábula budista que conta a história de um homem que toma a decisão de passar os últimos dias de sua vida na selva. Lá, ele vê o fantasma de sua esposa morta e de seu filho desaparecido. Já o sul-coreano Lee Chang-Dong levou para casa o prêmio de melhor roteiro, por Poetry.

Nas categorias de atuação, venceram europeus. A francesa Juliette Binoche foi a vencedora por seu trabalho em Copie Conforme, dirigido por Abbas Kiarostami. Já o prêmio de melhor ator foi dividido entre o espanhol Javier Bardem, por Biutiful, e o italiano Elio Germano, por sua atuação em La Nostra Vita.

Deu Europa também no prêmio de melhor direção. Quem levou foi o francês Mathieu Amalric, por Tournée. Também da França, Xavier Beauvois arrematou o Grande Prêmio pelo longa Des Hommes Et Des Dieux.

Uma surpresa agradável foi a categoria Prêmio do Júri que honrou o filme Um Homem que Chora, de Mahamat-Saleh Haroun, primeira produção africana na competição em 13 anos. Dá nome ao filme o poema de Martinica Aimé Cesaire, que diz que "um homem que grita não é um urso que dança", e conta a tragédia do Chade e sua guerra civil através de uma pequena história familiar.

Confira abaixo a lista completa:

Palma de Ouro
Lung Boonmee Raluek Chat (Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives), de Apichatpong Weerasethakul

Melhor Ator
Javier Bardem, por Biutiful
Elio Germano, por La Nostra Vita

Melhor Atriz
Juliette Binoche, por Copie Conforme (Certified Copy)

Melhor Direção
Mathieu Amalric, por Tournée (On Tour)

Melhor Roteiro
Lee Chang-Dong, por Poetry

Curta-metragem
Un Chienne d´Histoire, de Serge Avedikian

Câmera de Ouro
Año Bisiesto

Prêmio do Júri
Um Homem que Chora (Un Homme qui Crie), de Mahamat-Saleh Haroun

Grande Prêmio
Des Hommes et des Dieux (Of Gods and Men), de Xavier Beauvois
(J.S.)

Veja o que acontece quando um filme trash ganha uma refilmagem

2010-05-22T19:23:00.000-07:00

"Fúria de Titãs" é um amontoado de clichês para enganar os fãs do original de 1981

“Fúria de Titãs” nada mais é do que um remake de um filme que já não era bom em sua versão original. Se você acompanha o blog já deve ter reparado que nos últimos tempos a moda é repaginar ou regravar totalmente (vide “A hora do pesadelo”) algum longa antigo. E muitas vezes (na sua maioria) isso não acaba dando certo e “Fúria de Titãs” não é uma exceção. Para os saudosistas da década de 80 que esperavam ver na telona a relação do semideus Perseu e a princesa Andrômeda sairão do cinema um pouco decepcionados. A nova versão se preocupa mais em mostrar a vingança de Perseu contra os deuses que mataram seus pais adotivos, deixando o romance que era a essência do primeiro filme de fora da trama.

Cena do "clássico" trash de 1981

O enredo do filme é um problema sério, pois é cheio de buracos e subtramas que terminam em aberto. Talvez o único elemento que ajude mesmo dentro da obra são os efeitos especiais, caso contrário o expectador poderia muito bem levantar e ir embora da sala de cinema sem nenhum peso na consciência. Indo mais além, ousaria em dizer que os efeitos especiais estão ali para compensar a falta de qualidade da narrativa.

Como disse Rodrigo Zavala do Cineweb, “Quando se trata de refilmagens, nem sempre é bom comparar o resultado final das produções”. Isso se encaixa perfeitamente nesse longa repleto de clichês e que nada tem a ver com o original trash de 1981. E que me perdoem os fãs.

Videoteca Básica - Dogville

2010-05-19T19:10:00.001-07:00

Dogville é um filme fantástico. O diretor Lars Von Trier realiza com grande simplicidade e pouquíssimos recursos um retrato fiel que desmascara todas as verdades sobre as relações entre os seres humanos. A história se passa durante a Grande Depressão nos Estados Unidos em uma pequena cidade chamada Dogville, isolada do mundo inteiro. Grace é uma jovem que foge de mafiosos e acaba parando na cidade. A polícia procura por ela, mas os habitantes de Dogville aceitam a proposta de Tom para ajudá-la escondendo-a no local em troca de diversos serviços para os moradores. Aos poucos a polícia vai intensificando a busca e com isso, os habitantes se vêem obrigados a exigir ainda mais de Grace em troca do perigo constante que estão correndo ao protegê-la.

A partir do momento em que começam a se sentir prejudicados, os moradores de Dogville vão abandonando as aparências de boas pessoas e mostrando quem elas realmente são. A exploração de Grace se mostra necessária para o próprio bem-estar das pessoas que lá moram. Mesmo quando tem a opção de deixá-la ir embora, todos preferem continuar tendo Grace como uma escrava. Sob a condição e explorada, ela é vítima de uma série de mentiras que a colocam como fonte de todos os problemas que envolvem os habitantes do local sem ter o direito de protestar ou reclamar. Esse enredo já constituiria uma história e tanto, mas o grande diferencial da produção é a ausência de cenários. É a primeira coisa que nos chama a atenção quando vemos qualquer cena. Tudo o que há são riscos no chão para marcar as casas, ruas e demais objetos e algumas mesas e camas. É esse vazio que nos dá a impressão de falta de privacidade e de que nenhum tipo de segredo entre qualquer pessoa pode ser guardado. Ao mesmo tempo, tudo parece acontecer embaixo dos narizes de todos sem que ninguém perceba nenhuma atitude suspeita.

Dogville traz ao cinema a união dos mais diversos tipos de arte. Durante o longa, temos um grande estudo psicológico dos personagens marcado por uma narração objetiva, que nos deixa claro cada inquietação ou pensamento que cada misterioso personagem possui, o que é uma marca característica da literatura. A falta de cenários e o fundo branco de dia e preto de noite, que dão à cidade uma grande sensação de solidão em relação ao resto do mundo, trazem elementos do teatro. E a nervosa movimentação da câmera, que traz um sentimento de desconforto, é típica de um cinema até mesmo mais documental ou amador. O desempenho dos atores também é fenomenal especialmente Nicole Kidman. A atriz traz a Grace um ar de mistério por conta de seu passado. Sua ingenuidade que lhe permitiu acreditar que os moradores daquela simpática cidade fossem pessoas melhores do que as que ela conhecia e com isso vem a tona o sentimento natural de decepção, apesar de ela se mostrar muitas vezes acostumada ao sofrimento. Essa decepção é ainda maior em relação a Tom, que se mostrava sempre tão carinhoso e prestativo, mas que mostrou ser humano demais. Grace revela em diversas condições a verdade sobre muitos de seus moradores. E é isso afinal que tanto os incomoda. A mentira é para eles parece muito mais confortável.

Tudo isso é mais próximo do que imaginamos. Afinal, Dogville pode ser qualquer outro lugar do mundo. O retrato do diretor Lars Von Trier nada mais é do que um panorama perfeito sobre um ser humano completamente individualista e oportunista, e que, em muitas vezes parece ser um retrato de nós mesmos.

Um herói decadente

2010-05-15T10:25:00.000-07:00

Russel Crowe: não agrada no papel de Robin Hood

Ontem não foi um bom dia para estréias. Talvez o mais relevante (não por sua importância e sim pelos nomes envolvidos na produção) é a adaptação para a telona do lendário personagem “Robin Hood” pelas mãos do diretor Ridley Scott. O filme, de forma bem direta, é fraco. A narrativa parece não engrenar nas duas horas e vinte minutos de exibição, e Russell Crowe não representa muito bem o imaginário de Robin Hood. No alto de seus 45 anos, Crowe que ganhou o Oscar em 2001 como melhor ator pelo filme “Gladiador” (sendo a direção também de Scott) não anima. O longa não é envolvente e a esperada jornada emocionante do protagonista não acontece da forma que era esperada. E você, tem uma opinião diferente? Gostou do filme? Comente!

Assista o trailler da produção:

Festival de Cinema de Cannes 2010

2010-05-12T15:45:00.000-07:00

O Festival de Cinema de Cannes, cidade ao sul da França, é um dos mais importantes e reconhecidos festivais do mundo. A premiação foi criada por Jean Zay e a primeira edição ocorreu em 1946 e a partir de 1955 foi introduzido a Palma de Ouro, como prêmio máximo do evento. Desde o início o grande diferencial da cerimônia é abrir espaço não apenas para os grandes blockbusters, mas também para produções alternativas de diversos países do mundo. Desde o início além dos grandes mestres do cinema, estudantes e iniciantes na sétima arte também já foram premiados. O festival é dividido em quatro mostras principais: Filmes em competição, filmes fora de competição, Mostra Um Certo Olhar, Semana da Crítica. Também há mais duas paralelas: Quinzena dos diretores e o Cinde-Fundação. Entre os filmes em competição existe uma seção para curtas e uma para longas-metragens. Além da Palma de Ouro, são premiados o melhor ator, atriz, diretor e cenarista. O Gran Prix é o troféu para o filme de maior originalidade e um júri especializado, que conta com oito pessoas ligadas ao cinema como Tim Burton e Benicio Del Toro, ainda premia um filme separadamente.

O Festival desse ano começou ontem e vai até o dia 23 de maio. A mostra competitiva recebe atenção menor em relação aos últimos anos e a mostra alternativa com produções mais independentes começa a ganhar seu espaço. Essa é a aposta do diretor do Festival Thierry Frémaux. Na competição há apenas um filme americano concorrente, o que não acontecia desde 1987, porém as produções norte-americanas causam grande alvoroço. Foi o que aconteceu no primeiro dia com a exibição de Robin Hood, de Ridley Scott com as presenças de Cate Blanchett e Russel Crowe. O Brasil está representado apenas nas mostras altenativas com o curta “Estação”, de Márcia Faria e “Cinco Vezes Favela – Por Nós Mesmos”, projeto de Cacá Diegues, que está fora de competição.

Robin Hood de Ridley Scott

Fontes:

http://cinema.uol.com.br/cannes/ultnot/2010/05/12/em-cannes-2010-o-cinema-em-crise-pode-render-boas-surpresas.jhtm

http://br.cinema.yahoo.com/promo/cannes/sobreofestival.html

Saiba mais sobre o festival:

Filmes fora de competição:

http://cinema.uol.com.br/cannes/ultnot/2010/05/11/brasil-presente-em-varias-secoes-do-festival-de-cannes.jhtm

Todos os vencedores:

http://cinema.uol.com.br/cannes/ultnot/2010/05/11/as-palmas-de-ouro-do-festival-de-cannes.jhtm

Acompanhe as notícias do evento no Uol Cinema: http://cinema.uol.com.br/

Premiação

2010-05-10T18:36:00.000-07:00

O CINECLUBE01 está participando do Top Blog 2010, concurso que premia os melhores blogs da internet em diversas categorias. Você pode nos ajudar a concorrer a essa importante premiação. Basta clicar em votar no link: http://www.topblog.com.br/2010/index.php?pg=busca&c_b=11100521 ou no banner do lado direito do nosso blog. A votação é super rápida, mas atenção: é preciso confirmar o voto através do e-mail que você indicar.

Teaser de Super 8, o projeto de J.J. Abrams e Spielberg

2010-05-08T14:35:00.000-07:00

"Em 1979, as Forças Aéreas dos Estados Unidos fecharam uma seção da Área 51. Todos os materiais tinham que ser transportados para instalações de segurança em Ohio". O filme de ficção científica que tem Abrams (criador da série Lost) como diretor e Spielberg como produtor estréia ano que vem. O trailer vazou nessa sexta-feira 07/05 e não está em tão boa qualidade, mas mesmo assim vale a pena conferir.

Um vilão pedófilo e um filme psicodélico

2010-05-07T19:25:00.000-07:00

Freddy retorna às telonas mais agressivo e, acredite, pedófilo

Freddy Krueger retorna com a difícil missão de conquistar o antigo prestigio que fora perdido ao longo dos anos. Depois de várias continuações (muitas delas frustrantes, como em “Freddy Vs. Jason”, de 2003) o oitavo filme da série tem a direção de um dos grandes nomes da década de 90 quando o assunto é videoclipe: Samuel Bayer, diretor de “Smells like teen spirit”, do Nirvana e “Bullet with the butterfly wings” do Smashing Pumpkins, entre outros.

O reboot do clássico de 1984 é uma versão repaginada do original para uma nova geração. Mesmo assim muitos takes de “A hora do pesadelo” são idênticos ao primeiro filme. Freddy Krueger está mais agressivo e sua aparência um pouco mais “deformada” se comparado com o longa de 84, e um ponto que chama a atenção e vem ganhando destaque nas criticas sobre o filme é o fato do personagem ser pedófilo. Isso foi duramente criticado, pois o principal público do primeiro filme eram justamente os jovens e crianças. Apesar disso, “A hora do pesadelo” liderou as bilheterias americanas na sua estréia semana passada.

Um mundo em que o visual supera a história

"O mundo imaginário do Dr. Parnassus", último filme de Heath Ledger morto em 2008, nada mais é que um grande espetáculo visual. O roteiro é mediano e o fato de Ledger (que foi substituído nas cenas finais por Johnny Depp, Jude Law e Colin Farrell revezando o papel) ter falecido no meio das filmagens acabou atrapalhando um pouco mais a trama, que parece perder fôlego conforme se desenvolve. Vale a pena para os fãs do de Ledger, que recebe uma singela homenagem nos créditos finais.

Videoteca Básica - Valsa com Bashir

2010-05-04T13:18:00.001-07:00

O que esperar de uma animação israelense? Para muitos, a produção seria uma cilada na certa, mas o que se vê é uma história magnífica ilustrada por um dos mais belos visuais já vistas no cinema. O filme traz a história de Ari Folman, roteirista, diretor e personagem principal do filme em forma de documentário que conta sua própria experiência que viveu durante a Guerra do Líbano entre Líbano e Israel durante a década de 1980. Na trama, um antigo amigo conta a Ari um sonho no qual sofre uma perseguição de 26 cães. Os dois concluem que o pesadelo tem a ver com sua experiência durante a guerra. Ari se sente incomodado e surpreso por não ter quase nenhuma lembrança a respeito do conflito. Assim ele vai em busca de outras pessoas que estavam com ele durante o período.

Com os depoimentos de antigos conhecidos que ele começa a relembrar de tudo o que aconteceu. A partir disso vem a tona sérias denúncias a respeito da conivência dos soldados israelenses com a matança de palestinos promovida por soldados de uma milícia libanesa cristã. Logo o sentimento de culpa começa a perturbá-lo ao perceber que não fez nada para impedir a situação. As cenas são fortes e trazem ao espectador o resultado esperado: resgatar as imagens de uma guerra e mostrá-la o quanto seu resultado foi desastroso ao aniquilar centenas de pessoas inocentes. Para isso, imagens reais de arquivo também estão presentes. Ou seja, toda a história é contada com a maior sinceridade e aproximação com a realidade vivida pelo diretor.

Mas o grande diferencial da produção é o fato de ser realizada em forma de animação. Todas as cenas parecem ter sido desenhadas com uma beleza impressionante. As cores amarelas, laranjas e azuis predominantes em determinadas cenas contribuem para despertar no espectador os sentimentos melancólicos e perturbadores vividos pelos personagens. Todo esse visual catártico também produz situações absolutamente irreais como a alucinação vivida por Ari na qual ele “navega” deitado sobre uma mulher pelo mar. A trilha sonora também é parte integrante dessas emoções. Ao espectador só resta ficar impressionado com a plasticidade chocante que todas as simbólicas cenas possuem. Filme indicadíssimo para aqueles que procuram algo de qualidade fora de Hollywood.

Veja o trailer:

Screenshots - O Senhor das Armas (2005)

2010-05-02T15:28:00.000-07:00

Direção e Roteiro: Andrew Niccol.

"Homem de Ferro 2" e "Tudo Pode Dar Certo" são os destaques da semana

2010-04-30T19:45:00.000-07:00

Sequencia perde ritmo

Mesmo liderando a bilheteria de seis países europeus em sua estréia na última quarta feira, “Homem de Ferro 2” não surpreende. O longa prende a atenção do expectador apenas pelas cenas de ação e por algumas sequencias cômicas, porém o roteiro é muito fraco se comparado com o do antecessor. Robert Downey Jr (Homem de Ferro)continua sendo o grande destaque pela sua atuação, o mesmo não pode ser dito de Mickey Rourke (Chicote Negro) que por vezes demonstra ter uma personalidade instável (ora parece ser inteligentíssimo, ora um ignorante) e Scarlett Johansson (Natalia Romanova) que não passa de mais um “rostinho bonito” na trama.

Em alguns momentos os heróis Thor e Capitão América são mencionados, isso porque em 2012 será lançado “Os Vingadores” que contará com a presença dos dois personagens citados mais o Hulk e o próprio Homem de Ferro.

O retorno de Woody Allen

Outro lançamento é o novo filme do cineasta Woody Allen: “Tudo Pode Dar Certo”. O protagonista é ninguém menos que Larry David, criador do seriado “Seinfield”. Boris Yellnikoff (papel de David) é um ser pessimista que vive reclamando do mundo. Ele vive sozinho até conhecer Melodie (Evan Rachel Wood), garota do interior dos EUA com quem começa a ter um relacionamento depois de tentar evitá-la por diversas vezes. A situação fica complicada e engraçada quando os pais da garota, que são conservadores, resolvem procurar a filha que havia fugido de casa. O trailer é muito engraçado, mas confesso que fico com um pé atrás em relação aos filmes do Woody Allen, pois último que vi e realmente gostei foi Match Point (2005) sendo que os outros trabalhos não me surpreenderam.

Grandes Nomes - Al Pacino

2010-04-28T18:00:00.000-07:00

Texto retirado do site: http://www.cinemaemcena.com.br/Noticia_Detalhe.aspx?ID_NOTICIA=33027&ID_TIPO_NOTICIA=3

Acesse diariamente: www.cinemaemcena.com.br

Filmografia completa: Al Pacino

25/04/2010

por: Jessica Soares

Para falar do ator talvez baste pronunciar seu nome: Al Pacino. Nome e sobrenome servem perfeitamente para remeter ao ator que, ao longo de 40 anos, participou de mais de 40 filmes em que sua presença é dificilmente esquecida. Al Pacino. As poderosas palavras falham apenas por não dizer o suficiente do homem que existe por trás da assinatura.

Pacino é filho de Rose e Salvatore Alfred Pacino, americanos com descendência italiana. Viu, antes de ser velho o suficiente para se lembrar, as falhas do american way of life. Seus pais se divorciaram quando tinha apenas dois anos. Próximo de sua bisavó, conta que às vezes ela lhe presenteava com um dólar. “Quando ela me dava a moeda, o resto da família sempre dizia em uníssono, ´Não! Não! Não dê a ele o dinheiro´. Diziam isso seriamente. Éramos muito pobres”, lembra.

Morou por um tempo na região de Manhattan, Nova York, e depois se mudou com sua mãe para o Bronx, para viver com os avós maternos. Kate e James Gerardi, quando ainda moravam na Italia, residiam em uma pequena cidade da Sicília chamada Corleone – cidade e nome que viriam a ter um enorme significado na carreira de Pacino.

Dos palcos...

Sua mãe o levava sempre ao cinema. Como ela trabalhava fora, ele passava grande parte do tempo sozinho em casa. Aproveitava a oportunidade para reencenar o filme visto na noite anterior. Ele conta que assistiu Farrapo Humano, longa do diretor Billy Wilder de 1945, quando era ainda muito criança. O filme foi um dos primeiros a tratar o alcoolismo como problema, e causou uma forte impressão no jovem garoto.

Em uma cena, o personagem de Ray Milland – premiado com um Oscar por sua atuação – está procurando por uma garrafa de bebida que havia escondido no apartamento enquanto estava bêbado. Depois, sóbrio, ele quer encontrá-la. Procura e finalmente a encontra. “Eu costumava interpretar essa cena. Em uma ocasião, meu pai me levou até seus parentes e pediu que mostrasse essa cena. Eu encenava e as pessoas terminavam rindo. Eu sempre me perguntava ´Por que estão rindo? Essa é uma cena muito séria´”, relembra o ator.

A paixão por atuar foi primeiro levada aos palcos. Entediado e desmotivado na escola, ele se dedicava à atuação em peças. Aos 14 anos já atendia aos apelos dos colegas por autógrafos, no qual assinava seu apelido de infância “Sonny Scott”, inspirado pela música Sonny Boy do cantor Al Jolson.

O que começou quase como brincadeira tomou rumos sérios. Depois de maus momentos, tendo que muitas vezes dormir no teatro em que se apresentava, ou pedir uns trocados emprestados para ir aos testes, em 1966 conseguiu entrar na prestigiosa escola Actors Studio. Depois de atuar nos palcos em papéis coadjuvantes, finalmente teve sua chance com “The Indian Wants the Bronx”, premiada peça da temporada de 1966-67, seguida por “Does the Tiger Wear a Necktie?”.

... para as telas

No cinema, seu primeiro papel foi em Me, Natalie, em 1969, em que interpretou um jovem artista que se envolve com a personagem título. Depois viveu um viciado em heroína no longa Os Viciados (The Panic in Needle Park), em 1971.

Mas o papel que definiu sua carreira veio um ano depois. Robert Redford, Warren Beaty, Jack Nicholson, Ryan O’Neal e Robert De Niro foram cogitados para o papel que foi colocado nas mãos praticamente desconhecidas de Al Pacino: Michael Corleone, em O Poderoso Chefão. Dirigido em 1972 por Francis Ford Coppola, o filme foi inspirado no livro de Mario Puzo sobre a história da famiglia Corleone, parte da máfia italiana nos Estados Unidos.

Pacino conta que era muito jovem quando começou a filmar O Poderoso Chefão. Apesar de Coppola ter apostado no jovem ator, a maioria da equipe não foi a favor da decisão e Pacino temia que fosse despedido. “Não tinha certeza de como seria com o filme, mas então a coisa mais extraordinária aconteceu”, conta. “Nós estávamos em Nova York, fazendo o enterro de Don Corleone. Eram seis da noite e eu estava indo para casa. Então vi Coppola sentado na lápide – chorando”, lembra. Pacino perguntou então o que tinha acontecido e Francis contou que não deixariam que ele refilmasse a cena. “Eu pensei ´se ele tem esse tipo de paixão, todo esse sentimento por uma locação...’ Foi esse o momento. Eu pude sentir então. Coppola de fato se importava”, conta. “Esse é o jeito que deve ser – se manter cercado por pessoas que se importam. Pode ser uma viagem difícil, mas certamente com bons resultados”, concluiu. E assim foi. Além do sucesso monstruoso do filme, Pacino ganhou assim sua primeira indicação ao Oscar de Melhor Ator Coadjuvante.

Daí vieram mais sucessos. Em 1973 encarna Serpico, policial que luta contra a corrupção na corporação e acaba traído por seus colegas. Um ano depois foi a vez de voltar à frente da famiglia em O Poderoso Chefão: Parte 2, seguido de Um Dia de Cão. As escolhas corajosas de papéis lhes renderam três indicações consecutivas à categoria de Melhor Ator do Oscar. Veio depois o drama Um Momento, Uma Vida, em 1977. Em 1979, com Justiça para Todos, arrematou mais uma indicação à estatueta.

Crise

Os anos 80 foram menos favoráveis à carreira do ator. Parceiros da Noite e Autor em Família, de 1980 e 1982 respectivamente, marcaram o início da década com filmes mal vistos pela crítica.

Seu talento inquestionável foi reafirmado em Scarface, de 1983, violento longa sobre um cubano que constrói um império com bases no tráfico e sucumbe à cobiça. Mas Revolução, longa de 1985, devido a uma sucessão de erros nas filmagens e mudanças no roteiro, resultou em um fiasco. Depois disso o ator passou quatro anos afastado das telas.

Perguntado sobre o assunto em uma entrevista à revista Esquire em 2003, Pacino conta: “Sabia que atores têm constantes sonhos em que esquecem suas falas? Pois eu constantemente sonho que estou em um desses filmes que não funciona. No meu sonho eu digo ´Eu não sabia que estava fazendo aquele filme. Foi um erro, mesmo´”.

Pacino dedicou tempo e dinheiro ao seu próprio filme, The Local Stigmatic, em 1990, que nunca foi lançado. Fez algumas peças. Anos se passaram e ele se encontrava em uma crise financeira. O verdadeiro baque veio, no entanto, um dia enquanto andava no Central Park. “De repente um cara chegou para mim – nunca o tinha visto – e disse: ´Ei, o que aconteceu com você? Nós não o vemos mais´. Eu não tinha uma resposta. Ele completou ´Nós queremos vê-lo lá´, e eu percebi o quão sortudo havia sido”, conta.

Volta por cima

Seu exílio teve fim com Vítimas de uma paixão, em 1989, que marcou o início da segunda fase da carreira do ator, em que seus olhos escuros com olheiras e a voz grave, características hoje tão marcantes, se tornaram mais evidentes.

Com O Poderoso Chefão: Parte 3, ele voltou ao papel de Michael Corleone em 1990, arrancando aplausos e mais uma indicação ao Oscar de Ator Coadjuvante por sua atuação na comédia Dick Tracy, do mesmo ano. Dois anos depois, mais uma nomeação, dessa vez por O Sucesso a Qualquer Preço.

Muitas vezes concorrente e nunca ganhador, a maré mudou em 1992, quando levou para casa a estatueta por Perfume de Mulher, em que ele interpretou o carismático e ligeiramente incorreto tenente Frank Slade, que ficou cego enquanto prestava serviços militares. “Fiquei surpreso com o que senti quando ganhei o Oscar. Foi um sentimento novo. A sensação se estendeu por semanas, e acho que se assemelhava à de ganhar uma medalha de ouro nas Olimpíadas. É como se você tivesse ganhado uma maratona e todos soubessem que você o fez”, lembra.

Próximos anos

Foi, e continua sendo uma maratona memorável. A década de 90 foi movimentada e marcada por longas de peso. Outro clássico de gângster veio com O Pagamento Final, em 1993, seguido pelo drama criminal Fogo Contra Fogo, dirigido em 1995 por Michael Mann e estrelado também por Robert De Niro.

Em 1996 ele assumiu a cadeira do diretor em Ricardo III - Um Ensaio, misto de filme e documentário, que Pacino também roteirizou e estrelou, que reúne justaposições de cenas de Ricardo III, cenas de ensaios e discussões sobre a peça, entrevistas com atores britânicos, e a tentativa de explicar por que atores americanos têm mais dificuldades em fazerem peças de Shakespeare.

No mesmo ano atuou em City Hall - Conspiração no Alto Escalão, seguido por Donnie Brasco e Advogado do Diabo, ambos em 1997. Dois anos depois, mais duas performances poderosas: primeiro ao reunir forças com Michael Mann em O Informante e depois com Oliver Stone, em Um Domingo Qualquer.

Depois de sua passagem pela série premiada de TV da HBO Angels of America, cuja participação em seis episódios lhe rendeu prêmios no Globo de Ouro, Emmy e Screen Actors Guild Awards, todos em 2004, o ator trabalhou com o mesmo talento em diversos longas. Voltou a interpretar uma obra shakespeareana em O Mercador de Veneza, em 2005, e já está envolvido em uma nova adaptação de Rei Lear.

Pacino conta que, no final de todo filme, o ator Humphrey Bogart se preocupava se conseguiria outro papel. “Se você não consegue um papel, não há trabalho, não há expressão, não há um quadro. Você vive e espera que outro dia virá e com ele um papel que sirva como um quadro para você”, diz. O menino que nasceu Alfredo James Pacino no dia 25 de abril de 1940, certamente já conta com muitas obras em seu currículo das quais pode se orgulhar. E com seus já 70 anos não dá sinais de que isso mudará.

Depoimentos extraídos de artigo divulgado na Esquire, em 2003

E você o que tem a dizer sobre esse grande ator?

E as pedras continuam rolando

2010-04-26T18:48:00.000-07:00

Que os Stones são uma das bandas mais importantes do rock mundial disso não restam dúvidas. Além dos discos, a banda britânica possui uma grande gama de filmes a seu respeito. Entre eles o recente “Shine a Light” (2008), do premiado diretor Martin Scorsese , gravado no Beacon Theatre em Nova York durante a turnê “A Bigger Bang Tour” contando com a presença de vários convidados especiais;

e o já clássico e polêmico “Gimme Shelter” (1970), filme que mostra o trágico show de Altamont em 1969 (uma das maiores apresentações da banda), onde o grupo de motoqueiros Hell’s Angels assassinaram friamente um negro durante a execução da música “Sympathy for the devil”.

Esse ano sairá mais um lançamento dos Stones, mas dessa vez trata-se de um documentário sobre a gravação do disco “Exile on Main St”, uma das obras primas da banda. Uma reedição do disco também está previsto para esse ano.

Capa do disco "Exile on Main Street" (1972)

O lançamento mundial do documentário será numa exibição do canal BBC da TV inglesa, no Brasil "Stones in Exile" será lançado pela ST2 Music na conceituada série de DVDs "Classic Albums", com uma quantidade substancial de material bônus. Vale a pena esperar.

Um filme que promete

2010-04-24T10:47:00.000-07:00

Fã de quadrinhos, Dave Lizewski é um garoto de 16 anos que resolve se transformar em um super-herói da vida real vestindo um uniforme feito em casa e tendo como arma um cacetete. Depois de livrar um homem de uma surra, os atos do garoto começam a ser gravados e divulgados pela internet fazendo com que a popularidade de Dave crescesse assustadoramente transformando-o no “Kick Ass”. Suas artimanhas dão inicio a uma nova cultura popular de super-heróis que começam a surgir na cidade.

Assim se resume a história da série de quadrinhos da Marvel criado por Mark Millar e com desenhos de John Romita Jr, que por sinal mal acabou e já possui sua versão adaptada pala as telonas. Recentemente o filme desbancou a animação “Como Treinar seu Dragão” do topo das bilheterias americanas, feito considerável para um filme com censura de 18 anos. Sim, se você pensava que por ser baseado nos quadrinhos “Kick Ass” seria mais um longa destinado ao público jovem, você está bem enganado. Aliás, o trailer já mostra que a violência está bem presente ao longo da história, mas tudo com uma pitada de humor que torna esse um dos lançamentos que podem impressionar também o público brasileiro. O filme estréia por aqui no dia 11 de junho.

Alice no País das Maravilhas

2010-04-24T09:56:00.000-07:00

Ontem estreou um dos filmes mais aguardados do ano. Alice no País das Maravilhas é a síntese do ápice da proliferação da “maravilha” do cinema em 3D. Dessa vez, a adaptação da obra literária do escritor Lewis Carroll de 1865 é realizada pelo diretor Tim Burton, conhecido por seus filmes ambientados em cenários fantasiosos e personagens exóticos, ou seja, a história combina perfeitamente com seu perfil. A história conta a história de Alice (Mia Wasikowska), jovem de 19 anos, que volta ao maravilhoso local que conheceu quando era criança. Lá ela ajudará a combater as malvadezas da Rainha Vermelha com a ajuda do Coelho Branco e do Chapeleiro Maluco. O elenco conta com as presenças de Johnny Deep, Helena Boham Carter e Anne Hathaway. Com efeitos especiais de encher os olhos, cenários e figurinos chamativos aliado à tecnologia em 3D, o grande trunfo do filme é puxar o espectador pelo lado visual e fantástico do “universo mágico da Disney”. A grande questão agora é se o filme não se limita à imagem e realmente possui qualidade e originalidade para se destacar das demais adaptações dessa história. Só por isso já vale a pena conferir.

Confira o trailer:

A falta de valorização do cinema brasileiro

2010-04-20T19:03:00.000-07:00

Chico Xavier já levou mais de dois milhões de espectadores aos cinemas e foi o filme mais visto na última semana em território brasileiro. As Melhores Coisas do Mundo recebeu diversos elogios dos críticos antes de sua estréia. Mas mesmo assim, é perceptível que existe um preconceito do próprio brasileiro com os filmes locais. Já ouvi muitas vezes: “Não quero assistir esse filme só porque é brasileiro”. É lamentável que isso aconteça por aqui e é até mesmo difícil de explicar porque isso acontece. Hoje vou traçarei um breve histórico do cinema brasileiro. A partir disso, apontarei as principais dificuldades enfrentadas pela sétima arte no Brasil e tentarei encontrar as razões para a falta de valorização do cinema local por parte do público, dos governantes e dos próprios realizadores. Algumas considerações:

- O Brasil sempre sofreu forte concorrência dos Estados Unidos com a distribuição maciça de filmes americanos para cá. Acontece principalmente pela dominação geopolítica imposta em épocas de Guerra Fria. Sempre foi visto por aqui como sinônimo de qualidade e do melhor que há no cinema mundial. Foi amplamente divulgado e obtinha isenção de taxas alfandegárias na exibição desses filmes nas décadas de 20 e 30. É justamente nessa época que alguns de nossos talentos começam a ser “exportados” para o exterior como a cantora Carmen Miranda, que participou de várias produções.

- Pouco se investe em cinema e na arte em geral no Brasil. Muitos cineastas não conseguem apoio e acabam desistindo pela falta de incentivo do governo e de patrocínios para os custeios do filme. Também não se investe em escolas e cursos de cinema, o que dificulta a descoberta de novos talentos. Cursos relacionados ao tema sempre foram vistos como cursos secundários e conseguir entrar no mercado cinematográfico é algo de difícil acesso destinado a um grupo muito restrito.

- O Cinema Novo ganhou notoriedade pelo mundo inteiro com a forte temática social apresentada. Porém, era baseada principalmente na improvisação e seguia o lema: uma idéia na cabeça uma câmera na mão. Até por conta da falta de recursos para os cineastas. Nas décadas de 1970 e 1980, a pornochanchada domina o mercado nacional com histórias simples, com violência e de caráter sexual. Até mesmo hoje essa temática aparece bastante forte, o que desagrada algumas pessoas. Mesmo assim, conseguiu relativo sucesso e popularizou alguns filmes. Distribuidoras como a Embrafilme e estúdios como o Vera Cruz que financiaram diversas produções de sucesso vão à falência. Com a retomada de investimentos nos final da década de 90 acontece a retomada do cinema brasileiro, mas que aparece com pouca força em relação aos produtos hollywoodianos.

- A ditadura militar promoveu a censura a diversos filmes que nunca ou raras vezes foram exibidos ao público. Isso aconteceu também em outros governos como o de Getúlio Vargas na tentativa de impedir com que qualquer crítica ao sistema fosse realizada.

- Há uma forte tendência no país a esquecer grandes ídolos do passado. As novas gerações também tem pouco contato com grandes nomes do passado, muitos filmes não são resgatados ou modernizados para o DVD e quando são são pouco divulgados. Nomes como Mazzaropi e até mesmo Os Trapalhões podem se encaixar nesse caso.

-Alguns prêmios e conquistas:

O Cangaceiro de Lima Barreto é premiado como o melhor filme de aventura no Festival de Cannes

O Pagador de Promessas foi premiado como melhor filme do Festival de Cannes em 1962

Indicados ao Oscar de Melhor Filme Estrangeiro: “O Quatrilho” (1995), “O Que é Isso, Companheiro” (1997) e “Central do Brasil” (1998), também vencedor do Urso de Ouro do Festival de Berlim.

Tropa de Elite: vencedor do Urso de Prata no Festival de Berlim

O que podemos concluir é que são inúmeras as dificuldades para uma valorização do cinema brasileiro. Superá-las é um grande desafio por conta de todos os motivos acima descritos. Depende da boa vontade dos próprios brasileiros de tentar mudar esse quadro e contribuir para a evolução do cinema local com atos como assistir a produções brasileiras sem fazer um pré-julgamento delas antes. É algo incomum, mas completamente possível de ser feita.

Fontes:

http://www.dc.mre.gov.br/cinema-e-tv/historia-do-cinema-brasileiro

http://www.suapesquisa.com/musicacultura/cinema_brasileiro.htm